Владимир Волошин предлагает Вам запомнить сайт «Искусство»
Вы хотите запомнить сайт «Искусство»?
Да Нет
×
Прогноз погоды

красота

Блог

Гавриил Гликман. Картина „Еврейский портной»

Ирина Казанцева:

Гавриил Гликман. Картина „Еврейский портной»


Исаю Шпицеру посчастливилось услышать и записать рассказ художника, связанный с созданием одной из самых известных его работ — картины „Еврейский портной»
Эту картину живописец Гавриил Гликман выставлял почти на всех своих выставках. Вглядитесь в нее. Сколько в ней экспрессии, образности, ритма и, если хотите, юмора!


Еврейский портной 1962

С этой работой художника связана одна из интереснейших историй в его долгой творческой жизни.
Гликман:
«Рассказ свой, уж извините, начну издалека. 1939 год. Ленинград. Похороны Ильи Яковлевича Гинцбурга, выдающегося скульптора, академика. Гроб с телом Гинцбурга установлен в Академии художеств. Похоронную комиссию возглавляет Манизер Матвей Генрихович, профессор академии».
Илья́ Я́ковлевич Ги́нцбург (наст. имя и фамилия Элиаш Гинзбург) (15 (27) мая 1859, Гродно — 31 января 1939, Ленинград) — русский скульптор, профессор художественных мастерских (1918). Детство Илья Гинцбург провёл в Вильно, где на него обратил внимание скульптор М. Антокольский.
С 1870 обучался в мастерской М. Антокольского в Санкт-Петербурге, сопровождал его в поездке по Италии. По возвращении поступил в реальное училище, затем (1878) — на скульптурное отделение Петербургской академии художеств, где учился у А. Р. фон Бока, Н. А. Лаверецкого и И. И. Подозерова. В 1886, за работу «Плач пророка Иеремии на развалинах Иерусалима», получил золотую медаль и звание Классного художника 1 степени. С 1918 — профессор-руководитель скульптурной мастерской петроградских Государственных свободных художественных мастерских. В 1921—1923 — декан скульптурного факультета Высших художественно-технических мастерских.


Илья Яковлевич Гинцбург

Несколько работ И.Я.Гинцбурга

Портрет Антокольского


Памятник на могиле Стасова В.В. - скульптор И.Я. Гинцбург


Художник В. В. Верещагин. 1892. Бронза


Лев Толстой за работой


Репин И.Е. Портрет скульптора Ильи Яковлевича Гинцбурга в молодости.
Этюд для головы Иоанна в картине Воскрешение дочери Иаира. Холст, масло. 31 × 25 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.


Репин И.Е. «Воскрешение дочери Иаира» .

Картина была написана в 1871 году и была первым произведением большого масштаба, для начинающего Репина. За эту дипломную работу, Репин получил звание художника...

Гликман:
«Проститься с покойным пришло много людей. Среди них и я, в то время студент академии, ученик Манизера. И здесь, у гроба, мне вспомнилось недавнее знакомство с Ильей Яковлевичем. Он преподавал в этой же академии. Узнав, что я ученик Манизера, Илья Яковлевич воскликнул: «Молодой человек, как Вам повезло, Вы – у Манизера! Не могли бы Вы показать мне Ваши работы?» – «С радостью», – ответил я.
Манизер часто хвалил меня за некоторые мои скульптуры, а за другие ругал. Говорил, что у меня косые глаза. Очевидно, он был по ¬своему прав – уже тогда моя творческая манера в некоторых работах не вмещалась в академические рамки. Поэтому, когда такой именитый мастер пожелал посмотреть, что я делаю, я был этому рад.
Гинцбург пришел в мою мастерскую, и я показал ему свои работы: барельефы, скульптурные портреты, статуэтки. Надо сказать, что сам он был большим мастером жанровых фигурок, жизненно ярких и непосредственных. Многие из них и сейчас находятся в экспозиции Русского музея. Очевидно, мои работы ему понравились, потому как он пригласил меня к себе домой.
И вот, я в гостях у академика в его квартире в Доме ученых. Он попросил меня рассказать о себе. Я сказал, что родом из Бешенковичей, небольшого местечка под Витебском, что вылепил свою первую работу из глины, когда мне было 8 лет. Это была голова Сократа. Я нашел ее в какой ¬то книжке. С этого все и началось. Потом был Витебск, где я в художест¬венной школе мальчиком наблюдал, как работали Шагал и Малевич. Он слушал меня с интересом. Затем рассказал, что и он из Белоруссии, из Гродно. Что тогда это был небольшой городок, где жили евреи ¬ремесленники: сапожники, шорники, портные...
При слове «портные» глаза его загорелись. На лице появилась лукавая улыбка, весь он как-¬то поджался. И неожиданно для меня этот маленького роста старый человек запрыгнул на стол, сел на него и... превратился в портного.
Это было чудесное перевоплощение. Передо мной на обеденном столе сидел не великий скульптор и академик, ученик самого Марка Антокольского, а подслеповатый еврейский портной, каких немало видел я в своих Бешенковичах.
«А знаете, – сказал он мне, когда мы с ним пили чай, сидя за столом, на котором он только что лицедействовал, – то, что я Вам сейчас показал, я показывал Льву Николаевичу Толстому».
И рассказал мне такую историю.
Гинцбург:
«Было это в конце 90¬х годов. Илья Репин, с которым мы были дружны, предложил мне поехать к Толстому. Я знал, что Репин в Ясной Поляне свой человек. Он много писал и лепил Толстого, и тот высоко ценил его творчество. Как же я мог отказаться?! Мы приехали в Ясную Поляну. Лев Николаевич встретил нас радостно. Илья Ефимович представил меня ему и рассказал о цели нашего приезда – сделать скульптурные портреты хозяина. Толстой не возражал. Даже предложил пойти с ним, как он сказал, «за первоклассной глиной». Мы взяли лопаты и тачку и пошли за Толстым. Он привел нас на участок. Глина там была жирная, мягкая и коричневого цвета, как шоколад.
Мы с Репиным были довольны – знали, что с такой глиной работать будет легко. Накопали глины, привезли домой. Нам соорудили подставки типа станков, мы сделали деревянные каркасы и стали их прокладывать глиной. Каждый лепил «своего» Толстого. Как его видел. Кстати, тот репинский бюст в натуральную величину сейчас находится в экспозиции в музее Ясной Поляны"
.
Тот бюст я не нашла. Это более ранняя работа Репина И.Е.

Л. Н. Толстой. 1891 г.
Репин И. Е. Бюст. Бронза. 73 × 56 × 27. Государственный музей Л.Н.Толстого


Лев Толстой рядом со своим бюстом.

Гинцбург:
«Когда я закончил прокладку, я вдруг почувствовал большую усталость. Очевидно, сказались и дорога, и волнение от встречи со знаменитым писателем, и напряжение от работы. Увидев, что я едва стою на ногах, Лев Николаевич показал мне мою комнату, где бы я мог отдохнуть.
Там я лег на кровать и буквально провалился в сон. Проснулся от ощущения, что кто-¬то в комнате есть. Я открыл глаза и в сумраке комнаты разглядел Толстого. Он виновато сказал: «Илья, извините. Мне, право, неловко, что Вас потревожил. Но вот Илья Ефимович сказал, что Вы обладаете искусством подражания. А я так охоч до изображения людей. Не могли бы Вы что¬-нибудь показать моим гостям?»
Я говорю: «Лев Николаевич, это ж детская забава, это студенческие игры наши, и ничего более. Мне даже как-¬то стыдно...» Но он сказал: «Илья, ну я Вас прошу». И вышел из комнаты.
Конечно же, я не мог отказать в просьбе Льву Николаевичу. Я спустился в гостиную. Она была ярко освещена, горели лампы и свечи. В зале было человек пятнадцать незнакомых мне людей. Надо сказать, что к Толстому постоянно приезжали литераторы, ученые, артисты, музыканты... Он представил меня гостям. Затем обратился ко мне: «Ну, пожалуйста», – и показал на столик, который кто-¬то заранее поставил в центре зала. Лев Николаевич сел совсем близко. Я недовольно посмотрел на Репина. Он спросил: «Ты, наверно, сердишься на меня?» Я пожал плечами – мол, что теперь поделаешь.
Охватив присутствующих взглядом, я легко впрыгнул на стол и вспомнил себя студентом, когда я изображал разных людей.
И вдруг большая и светлая гостиная сузилась и померкла в моих глазах до темной, грязной каморки еврейского портного. И я стал им. В моей правой вытянутой руке пощелкивали ножницы, пальцами левой руки я перебирал воображаемую ткань на коленях, мои глаза близоруко щурились. Я раскачивался в такт грустной еврейской мелодии, которую сам и напевал.

Я увидел, как люди замерли, глядя на меня. В гостиной стояла тишина. Я посмотрел на Льва Николаевича и увидел, как затряслись его широкие плечи, а из глаз, больших серых глаз, потекли слезы. Слезы умиления и добра к тому образу, который мне удалось создать.
На следующее утро, еще до завтрака, Лев Николаевич предложил мне покататься на лошади. Ему вывели гнедого коня. Он легко вскочил на него. Затем сверху протянул мне руку и помог запрыгнуть к нему. И мы поскакали вдвоем на одном коне по лугам и полям, разрывая пелену утреннего тумана.»

Гликман:
«То, что рассказал мне Гинцбург и что он мне показал, глубоко запало тогда в мою душу. Мне захотелось написать портного, но я не решался. Я даже боялся приступить к этой работе. Очевидно, образ не созрел еще до той степени, когда сам готов был «упасть» на полотно.

Прошли годы, десятки лет, в которые вместились и четыре фронтовых года, и ранения, и трудная послевоенная жизнь. В Ленинграде я был уже довольно популярным скульптором и живописцем. В 1962 году я поехал отдыхать в Репино в Дом творчества композиторов. Это изумительное место на Карельском перешейке. Там у меня была комната с небольшой верандой. Я делал наброски и писал портреты музыкантов, певцов, композиторов. Кстати, тогда же там находился и Евгений Александрович Мравинский, с которым я был хорошо знаком. Я писал и его.
И вот как-¬то в одно из ранних утр, необыкновенно ясных и свежих, я, достаточно отдохнувший, освобожденный от городской суеты, вышел на веранду. Там лежали тюбики с красками, растворители, листы плотного картона. Я взял лист. Как сейчас помню его размеры 120 х 90. И прямо на полу, махнув пару раз кистью, набросал портного. Я писал его не более часа. Настолько ярко он предстал перед моим внутренним взором. Я видел его раскачивание, ритм его движения, его худое, почти бестелесное тело с тонкими руками и тонким корпусом.



Это не было натуральным изображением человека, это была, я бы сказал, конструкция. Эти колени, на которых он кроит ткань, эта босая нога с огромным ногтем – все создавало этому образу особый колорит. Мне говорили, что это не просто портрет, это своего рода икона. Портной иконографичен. Это не ремесленник, это – лицедей.

Мне удалось в 1980 году этот портрет и некоторые другие свои работы привезти на Запад, в эмиграцию. Затем были выставки. На одной из них в Роттердаме «Портного» вместе с портретом Шостаковича и другими рисунками приобрел у меня один известный голландский коллекционер.
Я выставляю сейчас один из вариантов той картины. Вот такая история моего «Портного».

Когда Гавриил Давыдович закончил свой рассказ, я подумал вот о чем. Искусство существует испокон века. И столько же остается неразгаданной тайна творчества, тайна вдохновения. Вдумайтесь в это слово – вдохновение. Что за чудодейственная сила вдыхает в душу Художника образы, мысли, слова, мелодии, ритмы, заставляющие нас видеть мир глазами Мастера и биться наши сердца в унисон его сердцебиению? Явление свыше? Несомненно.
И все же хорошо, что это остается тайной!
Исай ШПИЦЕР,
Мюнхен (Германия)

Есть ещё - это просто «Старый портной»


Тема еврейских портных - очень колоритная и трогательная тема.

Эдуард Гуревич (Израиль, род. 1947
Портняжный натюрморт (Sartorial Still-Life). 2012 г.


Ernest Bordes (French, 1852-1914) Le Concierge est Tailleur. 1881 г.

У Александра Розенбаума есть песня "Еврейский портной".
https://youtu.be/J91MnmVEJsQ Алла иошпе

И напоследок. В Нью-Йорке, на Седьмой авеню, в центре Манхэттена в 1984 году установлен памятник еврею-портному.
Как говорит сама Юдит, моделью для скульптуры ей послужил собственный отец, бывший по профессии портным, а сам памятник посвящен знаменитому А.Зингеру и его швейной машинке.

В Дюссельдорфе установлен памятник портному Виббелю (Schneider Wibbel), а в Подольске - памятник швейной машинке.

Дюссельдорф (Германия)

Подольск (Московская обл.)


Владимир Волошин 19 июл 15, 15:10
0 1
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

ОГЮСТ МОНФЕРРАН

ОГЮСТ МОНФЕРРАН

false



Архитектор, чьё имя навсегда увековечено в истории Санкт-Петербурга как имя гения исключительной величины. Творец, подаривший городу гармонию, блеск и звание самой яркой молодой столицы Европы XIX столетия. Мастер, таланту которого завидовали коллеги и благоволили императоры. Как случилось, что великий Огюст Монферран совершенно забыт на родине во Франции и не нашёл последнего приюта на российской земле, которую славил в своих творениях в течение всей своей творческой жизни?
Юности честное зерцало

О частной жизни архитектора Огюста Монферрана известно чрезвычайно мало. Повествующие о нём труды разных исследователей, вполне бойко начиная рассказ о его детстве и первых годах службы в России, впоследствии совершенно сбиваются с описания жизненного пути зодчего на характеристику его творений и процесса строительства его главных детищ – Исаакиевского собора и Александровской колонны. Конечно, совсем без этого обойтись нельзя: эти плоды творчества архитектора были смыслом его жизни на протяжении 40 лет. Однако как случилось, что мастер, о тщеславии которого ходили легенды, который сам издавал альбомы собственных рисунков и эскизов в Петербурге и в Париже, стремясь навечно запечатлеть своё имя в истории, совершенно неизвестен нам как личность?
  Огюст появился на свет 23 января 1786 года в местечке Шайо недалеко от Парижа. Полное имя будущего архитектора – Анри Луи  Огюст Леже Рикар де Монферран – благодаря говорящему «де» даёт предположить, что мальчик происходил из дворянской семьи. Однако это нельзя назвать чистой правдой, хотя мастер никогда не стремился разъяснить окружающим истинное положение вещей и переубедить их в обратном. Мать Монферрана, урождённая Мария Франсуаза Луиза Фистиони, была итальянкой, дочерью негоцианта. Отец, француз Бенуа Рикар, вообще начинал службу в звании берейтора – объездчика лошадей и учителя верховой езды. Впоследствии он далеко продвинулся по карьерной лестнице, получив чин директора Королевской академии в Лионе. Целеустремлённость и жажда признания, стало быть, была генетически унаследована архитектором от папеньки и сыграла весьма весомую роль, когда Монферран всеми силами старался утвердиться при русском дворе.
      Дарования Монферрана позволили ему в 20 лет стать студентом Специальной школы архитектуры – такое название при Бонапарте получила Королевская академия архитектуры, куда юноша поступил на обучение 1 октября 1806 года. Учению Монферран отдался со всей страстью и самоотдачей, как и всему, чем он впоследствии занимался. Монферран был увлекающимся человеком: любое занятие, способное его заинтересовать, занимало все его мысли, выражалось в невероятной увлечённости и полном погружении, будь то рисование, архитектура, коллекционирование или… война.
      Став студентом академии и учеником придворных архитекторов Наполеона – Шарля Персье и Пьера Фонтена – Огюст с головой погрузился в учёбу. Ему открывались невероятные возможности: ведь Персье и Фонтен считаются основоположниками стиля ампир и самыми яркими его представителями во Франции. Эти выдающиеся градостроители, архитекторы и блестящие мастера прикладного искусства оказали большое влияние не только на растущее мастерство Монферрана, но и на его продвижение – возможно, именно по их протекции Монферран был представлен русскому императору после поражения Наполеона и впоследствии получил у него «добро» на работу в Петербурге. Для того чтобы можно было представить масштаб дарования этих двух мастеров, достаточно лишь указать, что они являются создателями Генерального плана Парижа, авторами проекта  реконструкции территории между Лувром и дворцом Тюильри с сооружением триумфальной арки Карусель.

Вид на арку Карузель, арх. Ш.Персье, П.Фонтен
  

Также наставником Монферрана был «господин Молино, архитектор, генеральный инспектор общественных работ департамента Сены и города Парижа». Так архитектор получал возможность учиться не только в стенах своей alma mater, но и на практике у величайших архитекторов современности.
      Однако в самом начале учёба Монферрана была прервана войной. Он был призван для участия в итальянской кампании по охране оккупированных территорий. В составе 9-го конно-егерского полка он получает приказ отправляться в непокорную Калабрию. Однако даже на войне Монферран не забывал о своей главной любви – архитектуре: получив должность квартирмейстера, он выкраивал для себя свободное время, и, пока все остальные солдаты отдыхали от длительных переходов и изнывающего южноитальянского зноя, делал зарисовки разнообразных памятников архитектуры, какие только встречались на пути. Так с юного возраста выражалась увлечённость и самоотдача мастера – во всем, за что он только ни брался. И в боевых действиях, несмотря на хрупкую наружность, юный архитектор проявил отвагу и покинул поля брани лишь после нападения мятежников, получив пару сложных ранений в бедро и  в голову. Несмотря на такой вынужденный и опасный для жизни характер, путешествие по Италии оказало впоследствии весомое влияние на архитектора, его вкус и авторский стиль.
      Залечив раны, в 1807 году Монферран возвращается на родину,  где благополучно закончил обучение и подвергся очередному наваждению, захватившему всю его пламенную душу – женился. Избранницей Монферрана стала хорошенькая вдова Юлия Морне, урождённая Гокерель. Влюблённость Огюста приобрела характер всепоглощающего пожара: не замечая ничего вокруг, он закончил обучение и пытался (пока не очень результативно)  начать строить карьеру. Казалось, ничто было не в состоянии омрачить жизнь новоиспечённого молодожёна.
      Так бы всё и шло своим чередом, в мире и спокойствии, если бы не война. В 1813 году Огюст был вновь призван на военную службу. В этот раз Монферран отличился ещё больше: возглавляя сформированную им самим под Версалем роту,  архитектор проявил недюжинный героизм в сражении при Ханау на Майне. Доблесть Монферрана была удостоена ордена Почётного легиона – неплохо для 25-летнего выпускника архитектурной академии!
      Так как же получилось, что молодой, подающий надежды архитектор, да к тому же национальный герой, покинул родное отечество и связал свою творческую жизнь со страной, против которой сражался на ратном поле?
Все мы знаем, чем закончился поход Наполеона на Россию. В итоге молодой архитектор оказался перед выбором: остаться на родине, не дающей ни малейших возможностей в реализации масштабных замыслов амбициозного юноши, или отправиться в Санкт-Петербург, который после слома имперского натиска Наполеона превратился в перспективную столицу могущественной европейской империи. К тому же Монферран был протеже главных архитекторов Бонапарте, что тоже отнюдь не добавляло ему очков в период Реставрации.
      Зодчий никогда не стремился быть архитектором-строителем, воплощавшим чужие проекты. Он мечтал строить собственные здания, и поэтому работы по восстановлению, перестройке и реконструкции зданий пострадавшего Парижа, пусть и под началом королевского архитектора Молино, не слишком прельщали амбициозного Монферрана. Тем не менее, на этих работах он набрался опыта, достаточного для того, чтобы отправиться в длительное морское путешествие к берегам Финского залива.


Неогранённый алмаз

  монферран
   

 Санкт-Петербург встретил Монферрана летом 1816 года праздничным открытием Биржи, построенной по проекту соотечественника Монферрана,  архитектора Ж.-Ф. Тома де Томона. Неизвестно, что поразило зодчего больше – само здание или пышная, помпезная церемония, сопутствовавшая его открытию, одно точно: Монферран понял, что сделал правильный выбор.
    Архитектор, которому на тот момент исполнилось 30 лет, подготовился к поездке тщательно: составил новый гардероб (встречают по одёжке),  собрал свои лучшие эскизы и рисунки. Поселился будущий великий зодчий с супругой в скромной, если не сказать бедной, квартирке в доме Шмита на углу Апраксина переулка и набережной Фонтанки. Монферран и не подозревал, что соседом его окажется Ф.Ф.Вигель – начальник канцелярии Комитета по делам строений и гидравлических работ, где архитектору предстоит трудиться в течение нескольких лет. К начальнику этой комиссии, Августину Бентакуру, он и направился с рекомендательным письмом вскоре после прибытия.

false

А.А.Бетанкур



  Ещё не зная, что перед ними стоит без пяти минут придворный архитектор Его Величества, Вигель, заставший Монферрана на аудиенции у Бентакура оценил его не слишком лестно. «В одно утро нашёл я у Бентакура белобрысого французика, лет тридцати не более, разодетого по последней моде, который привёз ему рекомендательное письмо от друга его, чиновника Брегета. Когда он вышел, спросил я об нём, кто он таков? «Право не знаю, - отвечал Бентакур, - какой-то рисовальщик, зовут его Монферран. Брегет просит меня, впрочем, не слишком убедительно, найти ему занятие, а на какую он может быть потребу?». Растерявшись и не зная, как бы побыстрее отослать назойливого посетителя, Бентакур велел Монферрану принести какие-нибудь графические работы, чтобы посмотреть, на что он способен. Наверное, маэстро Бентакур думал, что «французик» предоставит весьма посредственные рисунки и окажется где-то среди чиновников средней руки возглавляемого им Комитета, после чего о нём можно будет с чистой совестью забыть.
      Однако Монферран в очередной раз удивил всех. Ф.Ф.Вигель описывает события, произошедшие через три дня после достопамятного разговора. «Бентакур позвал меня в комнату, которая была за кабинетом, и, указывая на большую вызолоченную раму, спросил, что я думаю о том, что содержит она  в себе? «Да это просто чудо!» - воскликнул я. «Это работа маленького рисовальщика», - сказал он мне. В огромном рисунке под стеклом были собраны все достопримечательные древности Рима, Траянова колонна, статуя Марка Аврелия, триумфальная арка Септима Севера, обелиски, бронзовая волчица и проч., и так искусно сгруппированы, что составляли нечто целое, чрезвычайно приятное для глаз. Всему этому придавали цену совершенство отделки, которому подобного я никогда не видывал». Вот вам и «маленький рисовальщик»!
      Теперь уже Вигель лично настаивал на том, чтобы Бентакур немедленно нашёл достойное такого таланта место, настаивая на том, чтобы его сделали начальником чертёжной. Это предложение Бентакур отверг по причине «излишней молодости» соискателя, и сделал его старшим чертёжником – без жалования, но зато с оплатой квартиры и суммой, выдаваемой непосредственно от Комитета «в виде награждения». Вигель, посетив Монферрана с его супругой в их получердачной квартирке, объяснил ситуацию зодчему, «который всё с благодарностью был готов тогда принять, как будто предвидя, что всё это скоро должно перемениться». И сдаётся нам, что «как будто» в этой фразе Вигеля абсолютно лишнее.



Таланты и завистники

      Молниеносное восхождение Монферрана по карьерной лестнице началось с доверенного ему императором строительства Исаакиевского собора – пожалуй, самого примечательного «долгостроя» в истории Санкт-Петербурга. Стоит лишь сказать, что из 41 года, прожитого архитектором в России, 40 он провёл на стройке Исаакиевского собора.
      Однако почему из всех достойнейших архитекторов, работавших в то время в Петербурге – К.И.Росси, В.П.Стасова, А.И.Мельникова, Андрея и Александра Михайловых – выбор пал на «тёмную лошадку» Монферрана? Молодой человек, безусловно, обладал огромным талантом; однако у него не было ни малейшего опыта строительства таких грандиозных зданий – Исаакиевский собор, к слову, является четвертым по величине купольным сооружением Европы.





Проект Исаакиевской церкви архитектора А.Ринальди, рисунок О.Монферрана

      Четвёртый по счёту проект собора, задуманного еще Петром I, Монферрану предложил подготовить А.Бентакур по поручению Александра I, окончательно решившегося на перестройку собора в том же 1816 году, вскоре после прибытия зодчего в Россию.  Монферран оценил оказанное ему доверие и, не зная, как лучше удивить императора и каков его архитектурный вкус, подготовил «24 прекраснейших миниатюрных рисунка, в которых можно было найти: китайский, индийский, готический вкус, византийский стиль и стиль Возрождения и, разумеется, чисто греческую архитектуру древнейших и новейших памятников». Переплетённые в красивый кожаный альбом рисунки произвели впечатление на императора, который подтвердил назначение Монферрана «императорским архитектором». Можно понять радость и гордость амбициозного француза – едва прибыв в Петербург, он завоевал благосклонность императора и коллег, а также заполучил самую масштабную стройку Российской империи! Есть чем гордиться, однако тщеславие Монферрана вскоре приобрело формы поистине бесстыдные: в 1820 году, всего через 2 года после начала строительства, он выпустил альбом об Исаакиевском соборе под девизом «Non omnis moriam» («Не весь умру»). Немудрено, что очень скоро у архитектора появилась масса недоброжелателей.
Ещё одна причина, по которой проект достался именно Монферрану, заключалась в том, что он единственный в своём плане перестройки учёл требование императора сохранить основную часть третьей Исаакиевской церкви. В предыдущем конкуре 1813 года участовали А.Д.Захаров, А.Н.Воронихин, В.П.Стасов, Д.Кваренги, Ч.Камерон и другие архитекторы, которые настаивали на возведении собора «с нуля», опасаясь брать на себя ответственность за исправление ошибок предыдущего строителя Исаакиевской церкви. Монферран же решил рискнуть – и не прогадал. Однако на пути его ждала ещё масса трудностей.




Исаакиевский собор, неосуществленный проект О.Монферрана
  

Главной загвоздкой в проекте Монферрана было то, что архитектор лишь весьма приблизительно представлял себе, как осуществить возведение огромных колонн  и мощного купола. Он не был инженером, он был лишь архитектором, и познаний его явно было недостаточно для реализации проекта. Здесь Монферрану очень помогал инженерный гений Августина Бентакура, который с тех пор и до самой своей смерти стал опорой и поддержкой для «императорского архитектора». Тем не менее, у Бентакура и без стройки Исаакия хватало дел, и ряд вопросов Монферрану приходилось решать самостоятельно, на свой страх и риск.
      В октябре 1820 года успехи и похвальба Монферрана окончательно набили оскомину его амбициозному коллеге и соотечественнику М.Модюи. Француз сразу невзлюбил Монферрана, как только тот переступил порог Комитета по делам строений и гидравлических работ. Неизвестно, взбесил ли Модюи хвастливый альбом Монферрана об увековечивающем его имя Исаакиевском соборе, или просто собственные скромные успехи вызывали неудовлетворение, но его «Записка по постройке церкви св.Исаакия и о проекте архитектора Монферрана» не только сочилась ядом и претензиями личного характера, но и указывала на весьма существенные недочеты проекта Монферрана. Модюи не только обвинял более удачливого соотечественника в отсутствии таланта, льстивости и лицемерии, но и в таких недостатках проектирования, как возможность неравномерной осадки здания, сомнения в прочности фундамента и неправильному проектированию купола.
      На такие серьёзные обвинения никак нельзя было закрыть глаза, и Академией художеств был сформирован специальный Комитет, который должен был рассудить зодчих и решить, действительно ли проект Монферрана недостаточно профессионален. Итогом работы Комиссии стал конкурс на улучшение проекта Монферрана, в котором победил … сам Монферран. Видимо, обвинения в хитрости, выдвинутые Модюи, не были совсем уж безосновательными. На втором этапе конкурса Монферран, учтя работы своих коллег и оценив их положительные и отрицательные стороны, дополнил их собственными удачными новыми решениями и получил Исаакиевский собор обратно! Рвение архитектора к утверждению своих творческих принципов достойно уважения: ведь вместе с проектом к нему вернулось признание собственного профессионализма и творческой состоятельности мастера. Если бы Монферран не вернул себе Исаакий, его карьеру можно было бы считать вдребезги разбитой из-за записки недоброжелателя.




      

И уж тем более не состоялось бы триумфального возведения Александровской колонны на Дворцовой площади Санкт-Петербурга, без которой мы сегодня не можем представить северную столицу.  1834 год – год завершения колонны – стал годом окончательного и бесповоротного признания не только таланта, но и мастерства Монферрана. Многие исследователи отмечают, что даже если бы Монферран не построил Исаакиевский собор, одной лишь Александровской колонны было бы достаточно для того, чтобы обессмертить его имя. Однако кто бы доверил возведение самой большой стелы в Европе архитектору-неудачнику?



Г.Гагарин, "Александровская колонна в лесах", 1832-1833 гг.

      Жаль только, что А.Бентакур не дожил до триумфа своего протеже: в 1824 году мастер скончался, а благодарный ученик, создав ему надгробный памятник на Смоленском лютеранском кладбище, отныне самостоятельно боролся с нападками завистников и коллег.
Надо сказать, что отношение современников к Монферрану было неоднозначным. Многие считали, что он получил крупный заказ незаслуженно, по протекции, не имея достаточного опыта, называли «чертёжником, а не архитектором». В городе даже продавали скульптурные шаржи на Монферрана работы скульптора Лене, задолго до того, как завершилось строительство Исаакиевского собора. Лене специализировался на карикатурных фигурках, и самыми «ходовыми» считались портреты Монферрана, Витали, Неффа и других мастеров, занятых на строительстве 
Исаакиевского собора.






В журнале «Иллюстрация» за 1848 год есть статья, в которой рассказывается о работах Лене, в том числе о скульптурном изображении Монферрана, увенчанного «короной» в виде Исаакиевского собора. Как ни странно, здесь речь идёт не столько о себялюбии мастера и его гордости за собственный талант, но о достоинстве, с которым он справился с таким сложным проектом. «…Вы видите художника, который, увенчав себя лучшим своим произведением, с достаточной лёгкостью и значительным самодовольством держит на голове всю эту ужасную тяжесть в целости. Он мог совершить это, он торжествует над врагами, - а их, как известно, было немало, и все они стремились доказать, что здание Монферрана – здание невозможное, что оно не устоит, а обрушится! Но здание высоко, а враги низко, в виде змея – демона; они попраны художником, и он как воитель, одержавший верх, спокойно и предовольно стоит себе, беззаботно, с некоторой кокетливостью победителя, сунув руки в карман». 


 Ad patres

      Сам Монферран признал себя именно архитектором, а не рисовальщиком или чертёжником, лишь ближе к завершению строительства собора. Несмотря на то, что на протяжении всей жизни Монферран считал себя французом и так и не выучил как следует русский язык, отдельные чертежи, выполненные им в 1840-50х годах, имеют подпись автора, начертанную по-русски. Понимая, что созданные им произведения принадлежат России, он не отделял себя от страны, в которой прошла вся его творческая жизнь, хотя в некоторых высказываниях стремился подчеркнуть свою принадлежность Отечеству, оставленному ради осуществления смелых замыслов. Да и круг общения Монферрана был преимущественно французским: даже жениться второй раз он умудрился на француженке, актрисе королевских театров  Элизе Пик Дебоньер, подписавшей в 1826 году ангажемент на выступления в России  и укравшей пламенное сердце архитектора на первом же представлении. Жениться на Элизе Монферран, правда, смог лишь через 9 лет после первой встречи, в 1835 году, а на их свадьбе присутствовал печально известный Жорж Шарль Дантес.
      Ещё одной страстью Монферрана стало коллекционирование. Характеристика его художественного собрания дана А.В.Старческом в его биографическом очерке о Монферране и занимает около десятка страниц - огромное количество античных и средневековых скульптур (больших и малых), картин и всякого рода редкостей, которые хранились в собственном доме архитектора. Это, кстати, тоже служило основанием для нападок на Монферрана недоброжелателями: некоторые считали, что значительная часть средств от строительства Исаакиевского собора вместо прямого своего предназначения служит улучшению жилищных условий Монферрана. Однако это всё чистейшей воды домыслы недоброжелателей: многие успешные архитекторы имели в то время собственные дома, хотя и не являлись авторами произведений настолько масштабных, как Александровская колонна (за неё Николай I пожаловал Монферрану 100 тысяч рублей).
Несмотря на некоторую «культурную изолированность» архитектора от России, специально или неосознанно поддерживаемую архитектором, еще с 1828 года он мечтал о том, чтобы быть похороненным в стенах Исаакиевского собора. В конце жизни, считая себя уже русским архитектором, Монферран еще больше укрепился в этом своём желании. Архитектору повезло: в отличие от многих его великих коллег, он увидел своё творение завершённым. Открытие собора состоялось 30 мая 1858 года – в день почитания св.Исаакия Далматского, а чуть менее чем через месяц, 28 июня 1858 года, архитектор скончался. Император не дал разрешения захоронить мастера в стенах созданного им собора, поэтому там прошла лишь панихида, после которой тело зодчего было отправлено на родину, во Францию.




Бюст Монферрана в Исаакиевском соборе, ск. А.Фолетти

    Вплоть до недавнего времени было неизвестно, где покоится великий Огюст Монферран. Усилиями В.К.Шуйского, крупнейшего исследователя жизни и творчества Монферрана, была найдена на Монмартрском  кладбище в Париже могила матери зодчего, где, как оказалось, покоится и великий архитектор Петербурга. Покинув в далёком 1816 году родной Париж, архитектор порвал практически все ниточки, связывавшие его с родиной, и до сих пор имя его во Франции остаётся неизвестным, а русским почитателям творчества зодчего остаётся лишь любоваться его скульптурным портретом в стенах Исаакиевского собора, выполненным из тех же сортов мрамора, что и убранство собора. Так Огюст Монферран стал плотью от плоти Исаакиевского собора – величайшего сооружения Санкт-Петербурга. Не так, как дети являются воплощением и продолжением свои родителей, а наоборот.


http://peccator-sum.livejou...
 
 
 
 

Владимир Волошин 10 янв 16, 16:43
+1 2
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Плиний - Брюллову, привет... Сквозь столетия...

Наталья Касьяненко:

Плиний - Брюллову, привет... Сквозь столетия...

"Плиний Тациту, привет." так начинались письма Плиния Младшего к историку Корнелию Тациту. Так они начинались и 24-26 августа 79 года. И что же пишет Плиний 24 августа?
“Облако поднималось из какой-то горы (смотревшие издали не могли разобрать, откуда; позднее узнали, что это был Везувий); ни одно дерево лучше пинии не передавало его формы. Оно поднималось кверху, словно высокий ствол, и расходилось ветвями, вероятно, потому, что напор воздуха, только что его выбросивший, слабел, и облако таяло, расходясь в ширину. Было оно местами белым, местами в грязных пятнах, словно подняло с собой землю и пепел.” Да, так начиналась картина Карла Брюллова “Последний день Помпеи. Но между известной всем картиной из Русского музея и тем, что увидел и описал Плиний Младший, прошло более 17 веков…
Но вернемся к извержению вулкана. Везувий - вулкан действующий, извергался он и в 1631, 1794, 1805, 1822, 1872 и 1906 гг Многие художники 18 и 19 вв отдали должное и этой теме. Помпеи были обнаружены случайно в 17 веке, в 18 веке начались раскопки. В 19 веке интерес возрос и художники платили сполна той красоте, которая открылась в Помпеях и Геркулануме.

Якоб Филипп Хаккерт. Вид на театр в Помпеях. 1793, гуашь. Германия, Веймар


Мы с Вами уже знакомы с устройством быта древних римлян, поэтому легко можем представить и Помпеи, и Геркуланум.
Художники 18 и 19 вв сделали изображения того, что увидели. Это возродило интерес и к давней катастрофе, и к античности.

Якоб Филипп Хаккерт. Геркуланум. Ворота в Помпеях. 1794. гуашь.Музей der bildenden Künste, Лейпциг.


Ахилле Вианелли


Аквинта, автор - J.W. Hüber 1819 г

Дом Саллюстия в Помпеях
Дом Саллюстия в Помпеях, Ахилле Вианелли, Раскрашенная литография

Пекарня и мельница в Помпеях
Пекарня и мельница в Помпеях. Ахилле Вианелли Раскрашенная литография

Улица гробниц
J.W. Hüber

Улица гробниц
Улица гробниц. J.W. Hüber Раскрашенная литография

Руины храма Венеры
Руины храма Венеры, J.W. Hüber Раскрашенная литография

Амфитетр в Помпеях
Джачинто Джиганте Амфитеатр в Помпеях Литография

Храм Эскулапа
Храм Эскулапа. Ахилле Вианелли Раскрашенная акватинта

Рыночная площадь

Большой театр в Помпеях

Портик театра в Помпеях
Саверино делла Гатта 1815

Улица Гробниц
Улица гробниц Джачинто Джиганте 1864

Терпидариум в термах Форума
Джачинто Джиганте Акварель

Улица гробниц
Джачинто Джиганте, акварель, 1856

Дом фигурных капителей в Помпеях

Сейчас это одно из самых посещаемых туристами мест . Все, оставшееся после катострофы и открывшееся в результате раскопок, мы можем увидеть воочию или на фотографиях и в фильмах.






Помпеи


Геркуланум

Как же все это было? Остались письма Плиния Младшего, из которых многое можно узнать не только о самом землетрясении, но и о гибели Плиния Старшего, автора «Естественной истории» в 37 книгах и др. соч, командовавшего частью галерного римского флота, стоявшего около мыса Мизено, на северном побережье Неаполитанского залива. Племянник историка Плиния пишет Тациту: “ Он поехал сам подать помощь … многим.Он спешит туда, откуда бегут другие... и настолько свободен от страха, что диктует и отмечает все изменения в этом страшном явлении, все его виды, как только уловит их глазом. (Все это происходило днем 24 августа, когда пепло- и пемзопад еще не охватил Стабии и мыс Мизено, но уже засыпал Помпеи. Квадриремы Плиния, быстро миновав большую часть Неаполитанского залива, вошли в зону густого пеплопада.)
На суда уже падал пепел, и чем ближе они подъезжали, тем он становился гуще и горячее. Падали уже куски пемзы и черные, обожженные, растрескавшиеся от огня камни. Вдруг неожиданная мель, и доступ к берегу прегражден обломками горы; дядя мой заколебался, но затем сказал рулевому: «Смелым бог владеет, поезжай к Помпониану». Последний находился в Стабиях, на другой стороне залива.


Извержение Везувия, картина Pierre Jacques Volaire, 18-й век

Между тем по Везувию во многих местах широко разлилось пламя и высоко поднялся огонь от пожаров. Дядя успокаивал напуганных... затем он отправился спать... Пространство, ведущее к его помещению, было уже так сильно засыпано пеплом с кусками пемзы, что стоило еще задержаться, и выйти было бы невозможно. Дядю разбудили...


Пьер Анрии де Валансьен "Извержение Везувия”.

Дома качались от частых продолжительных толчков; под открытым небом было страшно от падавших кусков пемзы... Уже в других местах наступил день; здесь была ночь, чернее и гуще всех ночей...

Решено было выйти на берег и посмотреть вблизи, допустит ли море переезд: оно оставалось бурным и враждебным. На берегу дядя лег на разостланный парус. Пламя и предшествующий пламени запах серы обращают других в бегство, а его заставляют встать. Опираясь на двух рабов, он поднялся и тут же упал, задохнувшись, как я предполагаю, от плотных паров, закрывших ему дыхательные пути... Когда наступил день (*26 августа), нашли его тело, нетронутое и неповрежденное...


Пьер-Анри Валансьен.

...Мрак, наконец, стал рассеиваться, превращаясь как бы в дым или туман; скоро настал настоящий день и даже блеснуло солнце, но желтоватое и тусклое, как при затмении. Глазам еще трепетавших людей все представилось резко изменившимся: все было засыпано, словно снегом, глубоким пеплом...Люди постепенно приходили в себя, еще не веря, что остались живы. Плиний с матерью вернулись в Мизено, хотя землетрясения продолжались. »
Плиний Младший. Из писем к Корнелию Тациту, август 79 г.
http://geo.1september.ru/ar... здесь: http://masterok.livejournal.com/736404.html


Иван Айвазовский. Вид на Везувий в лунную ночь. Ivan Aivazovsky. Kind to Vesuvius

А.С. Пушкин писал об этой катастрофе:
“Везувий зев открыл - дым хлынул клубом, пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется - с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождем, под воспаленным прахом, Толпами, стар и млад, бежит из града вон.”


Якоб Филипп Хаккерт. Извержение Везувия в 1774 году. 1774


Якоб Филипп Хаккерт. Извержение Везувия. 1779


Уильям Тернер. Извержение Везувия. 1817 г.


Петр Боголюбов. Извержение Везувия.

Карл Брюллов тоже посетил Помпеи и Геркуланум, но увидел больше, чем авторы приведенных выше видов освобожденных из-под пепла древнеримских городов. Он проникся болью и состраданием к людям, за живо похороненным в этих городах. Задуманная им картина позже потрясла многих любителей искусства. Но все по порядку.
Работа над "Последним днем Помпеи" была начата в 1827 году, а закончена только в 1833, а не в 1830, как было обещано А.Н. Демидову, купившему картину Брюллова, что называется, на корню. Свое видение картины художник строил не только на впечатлении от руин, но и на том самом письме Плиния Младшего к Тациту, которое я привела. Брюлловым создано много предварительных рисунков, этюдов и эскизов, показывающие, как развивался замысел художника.



Это один из самых интересных предварительнныз эскизов. Он выполнен в 1828 году. На нем Брюллов показал, что гибель жителей Помпей неотвратима, и каждый из них встречает её по-разному, лавина страстей угадывается уже в этой работе.
Рузультат работы Брюллова был высоко оценен соотечественниками.

Евгений Баратынский посвятил Карлу Брюллову такие строки:

“Принес он мирные трофеи
С собой в отеческую сень.
И был "Последний день Помпеи"
Для русской кисти первый день.”



Н.В. Гоголь написал о ней так: “Картина Брюлова — одно из ярких явлений 19 века. Это — светлое воскресение живописи, пребывавшей долгое время в каком-то полулетаргическом состоянии. (...) Когда я глядел в третий, в четвертый раз, мне казалось, что скульптура, которая была постигнута в таком пластическом совершенстве древними, что скульптура эта перешла наконец в живопись, и сверх того проникнулась какой-то тайной музыкой. Его человек исполнен прекрасно-гордых движений, женщина его блещет, но она не женщина Рафаэля, с тонкими, незаметными, ангельскими чертами, она женщина страстная, сверкающая, южная, италианка во всей красе полудня, мощная, крепкая, пылающая всею роскошью страсти, всем могуществом красоты, прекрасная как женщина. Нет ни одной фигуры у него, которая бы не дышала красотою, где бы человек не был прекрасен. Все общие движения групп его дышат мощным размером и в своем общем движении уже составляют красоту. В создании их он так же крепко и сильно правит своим воображением, как житель пустыни арабским бегуном своим. Оттого вся картина упруга и роскошна.
Вообще во всей картине выказывается отсутствие идеальности, т. е. идеальности отвлеченной, и в этом-то состоит еепервое достоинство. Явись идеальность, явись перевес мысли, и она бы имела совершенно другое выражение, она бы не произвела того впечатления; чувство жалости и страстного трепета не наполнило бы души зрителя, и мысль прекрасная, полная любви, художества и верной истины, утратилась бы вовсе. Нам не разрушение, не смерть страшны; напротив, в этой минуте есть что-то поэтическое, стремящее вихрем душевное наслаждение; нам жалка наша милая чувственность, нам жалка прекрасная земля наша. Он постигнул во всей силе эту мысль. Он представил человека как можно прекраснее; его женщина дышит всем, что есть лучшего в мире. Ее глаза светлые как звезды, ее дышащая негою и силою грудь обещают роскошь блаженства. И эта прекрасная, этот венец творения, идеал земли, должна погибнуть в общей гибели наряду с последним презренным творением, которое недостойно было и ползать у ног ее. Слезы, испуг, рыдание — всё в ней прекрасно.””
Полностью статью Гоголя можно прочесть здесь: http://feb-web.ru/feb/gogol...




Ну а владелец картины, А.Н. Демидов, был в восторге от шумного успеха "Последнего дня Помпеи" и непременно хотел показать картину в Париже. Благодаря его стараниям она была выставлена в художественном Салоне 1834 года, однако еще до этого французы были наслышаны об исключительном успехе картины К. Брюллова у итальянцев. Но совершенно иная обстановка царила во французской живописи 1830-х годов, она была ареной ожесточенной борьбы различных художественных направлений, и поэтому произведение К. Брюллова было встречено без тех восторгов, какие выпали на его долю в Италии. Несмотря на то, что отзывы французской прессы были не очень благоприятны для художника, Французская академия искусств присудила Карлу Брюллову почетную золотую медаль.
А последнее извержение Везувия случилось в 1944 году.
Фильм из цикла “библейский сюжет http://www.youtube.com/watc...



«Извержение Везувия» — картина норвежского художника Юхана Кристиана Даля. Есть несколько версий этой картины. Две хранятся в Государственном музее искусств в Копенгагене, одна — в Штеделевском художественном институте во Франкфурте-на-Майне, и ещё одна — в Национальной галерее в Осло.

"Энтузиазм и патриотический подъем, с которыми картину встретили в Петербурге, трудно вообразить: благодаря Брюллову русская живопись перестала быть старательной ученицей великих итальянцев и создала произведение, восхитившее Европу! Картина была подарена Демидовым Николаю I, который ненадолго поместил её в императорский Эрмитаж, а затем подарил Академии художеств. "

На холсте мы видим персонажей, наделенных портретными чертами самого автора и его возлюбленной, графини Юлии Самойловой. Себя Брюллов изобразил художником, несущим на голове ящик с кистями и красками.



Прекрасные черты Юлии узнаются в картине четырежды: девушка с сосудом на голове, мать, обнимающая дочерей, женщина, прижимающая к груди малыша, знатная помпеянка, упавшая с разбитой колесницы.


Автопортрет и портреты подруги – лучшее доказательство того, что в своем проникновении в прошлое Брюллов действительно сроднился с событием, создавая и для зрителя «эффект присутствия», делая его как бы участником происходящего. "
http://marinagra.livejourna...

«Извержение Везувия» — повторяющаяся тема в четырёх картинах и минимум одном наброске английского художника Джозефа Райта ( 1734-1797) , путешествовавшего по Италии в 1773—1775 годы. Одна из них, «Везувий из Портичи», находится в библиотеке Хантингтона в Калифорнии

; вторая, «Извержение Везувия, с видом над островами в заливе Неаполя» — в лондонской галерее Тейт;

третью,


«Везувий с Посиллиппо», можно увидеть в Йольском центре британского искусства;

четвёртая, известная под тем же названием, находится в частной коллекции.

Извержение Везувия. 1774. Этюд гуашью.

В 1774 году Райт во время путешествия сделал набросок гуашью, который ныне хранится в Музее и художественной галерее Дерби.Однако никакого извержения Везувия в 1774 году не было. Мало того, искусствоведы нашли много неточностей в полотнах Райта. Видимо, художник вообразил извержение, основываясь на рассказах дипломата, археолога и вулканолога сэра Уильяма Гамильтона


Владимир Волошин 16 апр 15, 20:07
+3 2
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Гликман Гавриил Давидович

Гликман Гавриил Давидович ( 14 июля 1913- 4 января 2003)


Гавриил Давидович Гликман родился 14 июля 1913 года в селе Бешенковичи Витебской губернии. В Витебске еще в детстве в художественном училище он имел возможность наблюдать за работой Шагала, Малевича, Пена, Юдовина и других знаменитых живописцев.


Шагал и Гавриил

Наверное, от них Гликману, который считал Марка Шагала одним из своих учителей, передались присущие ему впоследствии художественная свобода и буйство фантазии. Будучи молодым человеком, он сформулировал для себя девиз своего искусства – познать красоту и глубину человеческой души, поведать о ней всеми подвластными ему изобразительными средствами. В 1929 году семья Гликмана переезжает в Ленинград – город, в котором художнику суждено было прожить более полувека до эмиграции.

В 1937 году он поступил в Ленинградскую Академию художеств на отделение скульптуры профессора Г. Манизера, которое окончил лишь в 1947 году. Эти 10 лет учебы были разделены войной. Гавриил Гликман пошел на фронт и с 1941-го по 1945-й воевал, встретив Победу советских войск в Берлине лейтенантом артиллерии. После того как Гавриил Гликман заканчивает Академию художеств, он вскоре становится одним из ведущих советских скульпторов. Среди созданных им произведений – портреты как известных людей давно ушедшей эпохи, так и современников художника: Д. Шостаковича, Е. Мравинского, М. Ростроповича, В. Мейерхольда, С. Михоэлса, А. Иоффе и многих других.




Стравинский 1974


Художник и муза.

Его скульптуры украшают музеи, концертные залы, улицы и площади Москвы и Подмосковья, Санкт-Петербурга и Царского Села, Саранска, Саратова...

СаранскВ историческом районе Саранска, на пересечение улиц Волгоградской и Короленко в 1974 году был построен стилизованный форт с чугунными пушками, а в 1985 году за его стеной воздвигнут памятник Емельяну Пугачёву.


Пушечный форт и памятник Емельяну Пугачёву


Это единственный в своём роде памятник.

Театральный зал на Итальянской улице, 19 успел повидать в своих стенах множество великих людей разных эпох.


Мемориальная доска, посвященная легендарной актрисе, была установлена возле входа в театр и торжественно открыта 14 июня 1961 года.

Доска из белого мрамора с горельефным портретом была исполнена по проекту скульптора Гавриила Давидовича Гликмана и архитектора Абрама Ильича Лапирова. Текст доски гласит: «В этом здании с 1904 по 1906 г. помещался театр, которым руководила выдающаяся русская артистка Вера Федоровна Комиссаржевская». Надежно укрытая от непогоды под козырьком театра, она сохраняет память о замечательной артистке и рассказывает о выдающейся труппе прошлого, два года работы которой навсегда остались в истории петербургского театра.

Во дворике Иоанновского равелина Петропавловской крепости, где в 1932-1933 гг. размещались мастерские газодинамической лаборатории, а в настоящее время расположен Музей космонавтики и ракетной техники, установлен памятник Константину Эдуардовичу Циолковскому (1857-1935) — основоположнику космонавтики, изобретателю, мыслителю, педагогу, учёному, впервые обосновавшему возможность использования ракет для межпланетных сообщений.


Памятник К.Э. Циолковскому. 1973. Скульптор Г.Д. Гликман

«Пушкин-лицеист» – мраморная фигура работы Гликмана – экспонировалась в Эрмитаже и причислена к одним из лучших скульптурных изображений великого русского поэта.


Пушкин-лицеист

Одно из выдающихся произведений Гликмана – памятник Михаилу Ломоносову – находится в Ораниенбауме.


Памятник Михаилу Ломоносову. 1955г. ск. Г.Д.Гликман


Фрагмент памятника. Ломоносов юноша.

Хотя молодой Ломоносов на памятнике весьма похож на молодого Пушкина-лицеиста, возможно, как предтеча великого русского поэта.


Мусоргский М.П.


Игорь Стравинский. Скульптура. Автор Гавриил Гликман.

Бетховен.


Бах.


Пушкин.




Циолковский.


Также интересны живописные работы.

Ростропович.


Автопортрет.


Бах.



Особенно нравится портрет Ван Гога!!!



Все годы жизни, создавая свои монументальные произведения, Гликман тайно занимается живописью, которая и становится истинным предметом его самовыражения. Почему тайно?. В особом, одному ему присущем стиле появляется замечательная серия женских портретов «Невский проспект», живописные портреты деятелей искусства и литературы: Блока, Дягилева, Соллертинского, Филонова, Кузмина, Андрея Белого, Стравинского...



Кандинский



















Дмитрий Шостакович, с которым Гликман тесно общался в эти годы, сказал ему как-то полушутя: «Вам, Гавриил Давыдович, надо спрятать свои работы в тайный бункер до поры до времени...» Но Гликман не внял этим советам – осторожность была не в характере художника, прошедшего лейтенантом артиллерии фронты Великой Отечественной войны. И выставка живописных полотен 55-летнего признанного скульптора все-таки состоялась – в 1968 году Гавриил Гликман выставляет свои живописные полотна в Ленинградском доме композиторов. И сразу же – громкий скандал. Выставка закрывается властями уже на третий день, над его творчеством и личной судьбой нависает угроза – и с этого времени ему неоднократно рекомендуют покинуть страну.
Его кисти принадлежат жуткие до сумасшествия, страшной болью исполненные портреты Шостаковича и Пастернака, Мандельштама в тюремной рубашке, Цветаевой с петлёй на шее, будто специально созданные как иллюстрации к стихам Галича». В 1980 году Гликман совершает свой выбор – эмигрирует в Германию, в Мюнхен, где проживет до самой своей кончины 4 января 2003 года.
На Западе ему удалось добиться признания.

В эмиграции 70-летний Гликман родился как живописец, создал свои главные живописные полотна и обрел мировую известность (хотя живописью начал заниматься давно, еще в Ленинграде).
Его заметили в те годы и поддержали. Его картины постоянно приобретал композитор Журбин. Его «обнаружил» знаменитый эстрадный артист Лев Горелик, у которого сейчас в Саратове самая большая коллекция живописи и графики Гликмана — 300(!) работ.
Оказавшись за границей, он стал создавать памятники композиторам. Он был востребован. Тридцать работ купил у него Мстислав Ростропович — тут-то о Гликмане и заговорили.

Скульптурная группа в Баден-Бадене.































Очень точно написал в своей статье о художнике Даниил Гранин: «Портреты поражали не сходством, в них раскрывалось что-то высшее, Бог знает что, драма человека или его гениальность, или время, но обязательно какая-то сверхличностная суть».

Поклонник его творчества М. Ростропович организовал выставку в Вашингтоне, издавал каталоги. В Германии поставлены два памятника Достоевскому работы Гликмана. Художник дожил почти до 90 лет и успел увидеть свою персональную выставку на Родине. Она состоялась в Саратове в 1992 году.


Лев Горелик у своего портрета.


Журбин


Евтушенко

«Времена не выбирают...» Гавриилу Гликману довелось прожить суровые, опасные годы и быть всегда на виду: он был человеком открытым. Работал безоглядно, не лукавя, ни под кого не подстраиваясь, не насилуя своей души. На одном из своих автопортретов он предстаёт с вынужденно зажатым ладонью ртом.

Но в конечном итоге его услышали, как услышали (чаще посмертно) могучие голоса героев его произведений. А это большая победа над жестоким временем, и она дорогого стоит.

Гавриил Давыдович написал книгу воспоминаний — “Размышления с кистью в руке”, — о своих встречах с замечательными людьми, о стране, о времени. О самом художнике издано несколько книг, написано множество газетных и журнальных статей, сняты документальные фильмы.






"Я живу, потому что я вижу". Книгу воспоминаний советского художника и скульптора Гавриила Гликмана.
Это первое подобное издание не только в России, но и за рубежом.
Свои заметки Гавриил Гликман собирал на протяжение 30 лет. В них он рассуждал о том, как известные люди, многие – его близкие друзья, достигли того, что имели. Шостакович, Малевич, Шагал и другие люди искусства глазами творческого человека. Скульптуры и картины художника хранятся в музеях, однако немало экспонатов находится в частных коллекциях. Как раз эти – из собрания петербургского ценителя таланта Гавриила Гликмана. Уехав за границу, мастер оставил немало работ на родине.


Владимир Волошин 19 июл 15, 14:58
+2 4
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Н.К. Рерих – певец Севера (к 140-летию со дня рождения)

 

Н.К. Рерих – певец Севера (к 140-летию со дня рождения)


Николай Константинович Рерих (фото)

Фамилия Рерих, а точнее, Рёрих (Roerich) — именно так она писалась до начала ХХ века — имеет северогерманские корни. Ее вариантами являются древние княжеские имена Рерик, Рюрик. В Россию первые Рерихи попали из Швеции и из Риги в эпоху Петра I и Анны Иоанновны.
Детство художника прошло в ингерманландском поселении Извара под Петербургом. Вероятно, этимология слова Извара восходит к финскому iso vaara «большая гора, холм». Пророческое название. Гималайские горы в будущем станут одним из ведущих мотивов в его творчестве. Учился Николай в Петербурге в мастерской А.И.Куинджи, впоследствии он напишет: «Один из самых важных шагов совершился проще простого. Стал Архип Иванович Учителем не только живописи, но и всей жизни».
Север играл особую роль в жизни мастера. Н.Рерих был неоднократно в Финляндии.
Первый раз Н.Рерих побывал в Финляндии в 1899 году в поиске сюжетов картин и материалов о викингах. Идея поездки родилась не без влияния картин знаменитого финна, иллюстратора "Калевалы", лидера финского неоромантизма Аксели Галлен-Каллела. Их знакомство позже перерастёт в дружбу, Аксели очень поможет Николаю в 1918-ом году, когда Рерих окажется непонятым финскими властями. Впечатления поездки оформились в известной картине «Заморские гости», в сказках и сагах о викингах, написанных в древнескандинавском стиле.


«Заморские гости».


Рерих Н.К. Варяжский путь. 1907 г.

Второе знакомство с Финляндией состоялось в 1907 году. В этот год Николай чуть не погиб вместе с женой своей Еленой Рерих. Ранней весной они на санях пересекали замерзшее озеро под Выборгом, вдруг они заметили, что лёд проваливается, лошадь почуяла опасность и понеслась, порой продавливая лёд под собой. «Вода текла в сани, и всё принимало безысходный вид.. Среди пережитых опасностей крепко помнилось это финское озеро», - вспомнит художник в своём дневнике. Лето 1907-го года Н.Рерих и его жена с двумя детьми провели в Финляндии. И время это было плодотворным. Написаны картины: «Заклятие земное», изображает ритуал охоты, «Пляска», радует хороводом девушек на древнем празднике. Созданы 8 этюдов: «Вентила», «Нислот.Савонлинна», «Пункахарью», «Иматра», «Седая Финляндия», «Сосны», «Камни», «Лавола».


Н.К.Рерих . Седая Финляндия. 1907г.


Пунка -Харью. Этюд. 1907 г.


Нейшлот. Олафсборг . 1906


Вянтили. Финляндия .1907


Камни. (Берег озера Пирос [Эскиз]. 1910-е

Под впечатлением от Финляндии с 1906 по 1910 г. Н.К. Рерих пишет ряд картин, посвященных теме походов и быта викингов: «Бой», «Могила викинга», «Триумф викинга», «Песнь о викинге», «Дочь викинга», «За морями земли великие», «Варяжское море». В последней картине, возможно, изображен момент сватовства норвежского конунга Харальда Сурового к дочери Ярослава Мудрого Елизавете. Варяжским в старину называли Балтийское море.


Бой . 1906
Еще задолго до поездки в Финляндию Рерих задумал серию картин "Викинг". К 1907 г. была уже написана картина "Бой", которую Бенуа назвал "подлинной поэтической страницей". " ... среди бурления волн суда варягов с красными парусами и расписными боками. И, кажется, точно дерутся не люди, ... но самые эти корабли, - чудовищные деревянные рыбы", - писал он.


Песнь о викинге. 1907
В картине "Песнь о викинге" художник создал образ северянки, одиноко ждущей на берегу возвращения своего воина из дальнего похода. В ее печальном взоре, в неуверенной позе чувствуются подлинный трагизм и безысходность. Кажется, что женщина с картины прощается даже с надеждой на встречу.


Могила викинга.1908


Дочь викинга. 1910


Варяжское море (Выступление в поход) .1910


Триумф викинга . 1908-1910
На картине"Триумф викинга", где изображена могила воина, северянка не дождется своего героя уже никогда.
В это же время художник проявляет интерес к старинным финским храмам, он подчёркивает своеобразие финской настенной живописи; фантастические орнаменты, птицы, звери напоминают ему наскальные рисунки Севера – «в них чувствуется... время, когда христианство наложило руку на священный шамаизм». Статьями о стенописи он хотел добиться проведения реставрационных работ в финских каменных храмах. Предположительно, суть интереса Н.Рериха к Северу в раскрытии самых древних, самых глубоких пластов времени, того времени, когда ковался дух Севера, когда народ и Природа жили вместе. В этот период камни на картинах Николая начинают понемногу оживать, в некоторых картинах он в буквальном смысле придает скалам человеческие очертания. Любовь к древним легендам, преданиям отозвалась в картине «Чудь под землю ушла» (1913).


Чудь под землю ушла (Чудь подземная). 1913
Возможно, это центральная работа в отношении Финляндии и Севера. Предание гласит о северном народе, ушедшем жить под землю. Аналогичное предание будет найдено Рерихом на Алтае. Это одна из ниточек, которая приведёт его в Тибет на поиски загадочной страны Шамбалы. Современный исследователь Тибета, профессор Э.Мулдашев, пишет о скрытых пещерах, в которых находится генофонд человечества – представители всех человеческих рас, живших на Земле. Не этот ли народ ушёл под землю?

В 1916 году Н.Рерих вновь оказывается в Финляндии, тяжёлое заболевание лёгких привело его на лечение в Сортавалу. Дело опять доходит до смертельной опасности, 1 мая 1917 года он пишет завещание. К счастью, кристально чистый воздух исцеляет художника. Создаются десятки пейзажей о Финляндии и Карелии, в том числе: «Юхинлахти», «Озеро Хюмпола», «Ладожское озеро», «Тулола».


Озеро [Карельский пейзаж].1917
Изрезанность берега, изломанность границы между водой и сушей как бы усиливает противоположность двух стихий. Вся смысловая нагрузка пейзажа сосредотачивается на этой четко очерченной границе, контрастно разделяющей природу.


Юхинлахти. 1917


Карельский пейзаж. Скалы. Тулола. 1918


Карельский пейзаж. Ладожское озеро. 1918

Поездка на Валаам даёт всплеск творчеству, рождаются «Святое озеро», «Святой остров», «Столпник".


Николай Константинович Рерих. Святой остров. (1917)
Святой остров - это остров Валаам. Раз это святой остров, на нем живут святые люди. И действительно, каждый камень на картине являет лицо духовного человека или ребенка. Справа можно рассмотреть лики двух святых с ореолами. Остров на картине, как маленькая планета, которая принимает высоко духовных людей, но а тех, кто еще не готов, волны отбрасывают, сносят.


Николай Константинович Рерих. Святое озеро. (1917)
«Ездили на Валаам. Посещали скиты на островах, особенно меня поразили схимники. Раз в год они собирались в подземном храме у реки Преп. Сергия и Германа для службы.»


Рерих Н.К. Столпник. 1918.
Сто́лпник (греч. στυλίτης, лат. stylita) — христианский святой из числа преподобных, избравший особый вид подвига — непрерывную молитву на «столпе» (открытой возвышенной площадке, башне и т. п.)


Сортовальские острова. 1917

В 1906 году Н.К.Рерих был недалеко, на Ладоге, очень полюбил эту реку и считал ее рекой святости. Много его картин посвящено Ладоге. А в 1916 году, в связи с затяжным воспалением легких по совету врачей жил с семьей в г. Сартавала: "Люб мне здешний край. Мои скалы, мои леса, озера и мхи. Много подлинных зовов земли... На острове - мы. Наш старый дом. Ключ от храма - у нас. Наша пещера. Наши и скалы, и сосны и чайки. Наши звезды - над нами. Остров наш обойдем",- писал художник в статье "Улыбка твоя" в 1918 году.
Н.К.Рерих родился и вырос в Петербурге и с детства пронес в своем сердце любовь к северному краю, к его торжественной и сдержанной красоте. Эта любовь выразилась и в стихах и в картинах.
Л.Андреев называл его поэтом Севера, а его стихи - "Северным сиянием." В повести "Пламя" главный герой говорит: "Вообще, помни о Севере. Если кто-нибудь тебе скажет, что Север мрачен и беден, то знай, что Севера не знает. Ту радость, и бодрость, и силу, какую дает Север, вряд ли можно найти в других местах. Надо подойти к Северу бед предубеждения. Где найдешь такую синеву далей? Такое серебро вод? Такую звонкую медь полуночных восходов? Такое чудо северных сияний?"


«Утес» (1917)


«Зимний пейзаж» (1918)


"Берег" 1919 г.

Под впечатлением от Финляндии пишется таинственная сюита картин «Героика», предвосхитившая дальнейший жизненный путь Рерихов, их великую миссию. Сюита "Героика" состоит из семи картин:
1. "Клад захороненный", 2. "Зелье нойды", 3. "Приказ", 4. "Священные огни", 5. "Ждут", 6. "Конец великанов", 7. "Победители клада".


Клад захороненный. 1917
"Клад захороненный" - это скрытая правда жизни. Все подступы к ней загородила злая колдунья - "нойда". Но люди получают "Приказ": разыскать клад.


Приказ. 1917


«Вечное ожидание» (1917)
В картине "Вечное ожидание", написанной в 1917 году в Сортавале, Рерих изображает четырех людей на берегу сурового озера. Рядом маленькая избушка без окон, с двускатной крышей, на двери — секирообразный замок, возможно, это хлебный амбар, который строили возле усадьбы. На одном из камней — причудливое растение. Оно художником не прописано, только обозначено фантастическим темно-розовым цветом, и непонятно — то ли это низкорослое дерево, то ли кустарник. Высокой стеной окружают людей синие скалы. Что за этими скалами? Какой мир — спокойный или бушующий? Как его отголоски, его посланники, появляются на небе пестрые облака, их стремительное движение вносит в жизнь побережья смятение и тревогу. Люди смотрят в даль озера. Чего они ждут? Вестника. Вестей из того мира, что скрыт от них каменной грядой".
В тиши Сортавалы Николай Константинович испытал и всю тяжесть томительной неизвестности. Письма и газеты приходили все реже. Известий из России почти не было, о событиях в Петрограде он мог только догадываться. Но даже при всей своей неконкретности стихи и картины Рериха передают то духовное напряжение, которым жил народ в 1917 году. Чувством ожидания проникнуто все литературное и живописное творчество мастера этого периода.
На пути немало опасностей, но они преодолены, и об этом оповещает "Конец великанов" - демонов зла в скандинавской мифологии. В последней картине - "Победители клада" выносят огненное сокровище из горных ущелий...


Победитель клада (На горной тропе) . 1917

Успешно проходят выставки в Хельсинки, Стокгольме, Копенгагене.
Большой успех ожидал выставку картин Рериха в 1918-ом году в Хельсинки. К.Г.Маннергейм лично послал приветствие Николаю Константиновичу. Практически все скандинавские критики увидели в его работах своё, родное. Онни Окконен прямо назвал Николая русско-скандинавским художником. На фоне восторга финнов, шведов, норвежцев практически отсутствовала реакция представителей России. Из письма к Л.Андрееву: «..Русская колония в Гельсингфорсе – хлам, почти вся хлам! Когда Маннергейм, случайно не могший попасть на выставку, прислал привет и пожелания успехов, - мне стало неприятно, ибо весь русский особый Комитет (по делам Русских в Финляндии) отсутствовал..» С писателем Л.Андреевым художника связывала духовная близость, оба они оказались отрезанными от России, оба переживали это. Особенно тяжко было Андрееву: вне России ему не писалось, он трагически ощущал потерю своих корней, был душевно опустошён.
«Один факт того, что Вы здесь»,- пишет Л.Андреев Рериху, – «в том же кругу ада – сделал этот ад не таким угрюмым и чёрным. Ведь я живу за границей не только в смысле территориально-политическом, но и в отношении душевном, а Вы для меня свой». В апреле 1919-го Н.Рерих вместе с семьёй отбывает в Стокгольм, оттуда в Лондон, а в сентябре Л.Андреев, друг Николая Константиновича, умирает, его хоронят в Финляндии. В конце сороковых его прах перенесут на Волково кладбище.

Не попади Н.К. Рерих на Восток, в истории искусства он остался бы певцом Севера.
Финляндию Рерих всегда вспоминал с большой теплотой. В книге «Держава Света» (1931) художник писал: «Когда я вспоминаю замечательные музеи искусства, археологии и этнографии, созданные Финляндией, я чувствую, с какой заботой и самосознанием финны собирали свои сокровища. И мы знаем, как глубоки финские корни… Истинно слово «культура» близко и легко произносимо на финской земле».

http://click.my.mail.ru/redir?u=http%3A%2F%2Fgallery.facets....


Владимир Волошин 11 окт 14, 22:40
0 1
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

ДЕМИС РУССОС — ЧЕЛОВЕК - ЭПОХА!

Надежда ***:

ДЕМИС РУССОС — ЧЕЛОВЕК - ЭПОХА!

К 70-летию со дня рождения ДЕМИСА РУССОСА





Демис Руссос имел, воистину, совершенно уникальный голос и тут ему не мог составить конкуренцию ни один певец в мире. Второй столь же уникальный голос имела великая польская певица Анна Герман, которую в СССР любили и ценили намного больше, чем на ее родине.

Дал им Бог голоса просто редчайшего звучания и Демиса Руссоса невозможно с кем-либо спутать, ведь стоит только услышать два-три такта любой его песни и сразу же понимаешь, что это поет он.



Демис Руссос. Хиты разных лет

https://my.mail.ru/mail/01.anna.anna/video/1/46.html

ДЕМИС РУССОС — ЧЕЛОВЕК - ЭПОХА!




Великий греческий исполнитель родился в Александрии в Египте 15 июня 1946 г. Его настоящее имя Артемиос Вентурис Руссос.

В своих воспоминаниях он навсегда сохранил живую память и любовь к своему родному городу: «Александрия — город с греческим духом, построенный Александром Великим (Македонским), с большой греческой общиной и сильным одноименным православным патриархатом.

Когда я вспоминаю мои детские годы, картинки детских воспоминаний порой придают мне ощущение, что я смотрю фильм по романам Агаты Кристи…

Из Александрии я унес мою любовь к сцене. Эта любовь у нас в семье была традицией. Ею страдали и мой отец, и моя мать. Мы хотели радовать людей».



Его родители — Георгий и Ольга — были известными греками в Египте: мать была известной певицей, а отец, хоть и был по профессии инженером, играл на классической гитаре.

Маленький Демис изучал музыку и состоял в византийском церковном хоре в родной Александрии. Когда при Насере разразился Суэцкий кризис, его семья потеряла все свое имущество и вынуждена была вернуться в Грецию.

Уже в Греции его страсть к музыке в возрасте 17 лет привела его в известную тогда группу Idols, где он познакомился с Вангелисом Папафанасиу (известным во всем мире как Vangelis) и Лукасом Сидерасом, с которыми в дальнейшем он создаст рок-группу Aphrodite’s Child («Дитя Афродиты»).


Группа стала широко известна в 1968 г. во время Парижской весны благодаря песне «Rain & Tears». Музыку для группы писал Вангелис Папафанасиу — он же играл на клавишах, а тенор Демис играл на контрабасе и был главным исполнителем.

Специфический тенор Демиса, которого часто называли «толстяком с тонким голосом», помог группе пробрести мировую известность. С 1968 по 1971 г. их синглы на протяжении трех лет неизменно занимали первое место в европейских чартах.

Сам Демис Руссос считал, что успех группе обеспечил правильный «тайминг»: «Весь Париж был в огне, задыхался от слезоточивых газов, а мы пели… Rain & Tears».

Demis Roussos (Aphrodite's Child) - Rain And Tears

Группа записала несколько синглов, три из которых получили всемирный успех. Самым значимым был их последний сингл — их «лебединая песня» — под названием «666 — Apocalypse of John», который считается одним из классических в прогрессивной рок-музыке.

Свою сольную карьеру Демис начал в 1971 г. с сингла «We shall dance», который не был отмечен особым успехом. Но прорыв произошел пару лет спустя с песней «Forever and Ever», занявшей первые места в хит-парадах многих стран в 1973 г.

Demis Roussos - My friend the wind, 1973

Мировую славу певцу принесли песни «My Friend The Wind», «My Reason», «Velvet Mornings», «Goodbye My Love, Goodbye», «Someday Somewhere» и «Lovely Lady Of Arcadia».


Фотография совместного тура из журнала Джо и Демиса SALUT LES COPAINS, 1973


Демис Руссос и Джо Дассен, 1973 г.


В сотрудничестве с Вангелисом Папафанасиу (Vangelis) в 1970-м вышла пластинка «Sex Power» (иногда эту запись относят к группе Aphrodite’s Child), а в 1977-м — «Magic».

Но самая успешной и известной их совместной работой стала песня «Race to the End» из фильма «Chariots Of Fire» («Огненные колесницы»), получившего премию «Оскар».

Песни Демиса Руссоса вышли на многих языках мира, во многих странах Европы и Латинской Америки. Всего он записал 42 альбома, а их суммарные продажи превысили 70 миллионов!


В 1982 г. выходит его книга «A Question of Weight» («Вопрос веса»), в которой певец рассказывает о своей победе над лишним весом: ему удалось сбросить за 10 месяцев 50 кг, спустив свой вес со 147 кг до 97!


После длительного периода борьбы с депрессией, которой он страдал более 10 лет, Демис Руссос возвращается на сцену в 1993 г. с альбомом «Insight», известном и как «Morning has Broken».

В последующие годы певец продолжает свою карьеру, выступая по всему миру с концертами и записывая диски.

греческая музыка
психоделическая музыка
вечная музыка


В 2003 г. он выступает перед лидерами 40 стран на концерте в Санкт-Петербурге на 300-летии основания города.

В 2010 г. из Афин Демис Руссос начинает мировое турне, посвященное 40-летнему юбилею своей профессиональной карьеры.


Демис Руссос и Шарль Азнавур


В сентябре 2013 г. Франция награждает греческого певца Орденом Почетного Легиона — высшей наградой страны.



Награждение Демиса Руссоса титулом кавалера ордена Почетного легиона


Своеобразную дань уважения певцу выразил российский астроном Тимур Крячко, давший его имя открытому им астероиду солнечной системы (279226 Demisroussos — 2009 UR103).


Демис Руссос резко выделялся на фоне господствующего западного стиля и своим своеобразным голосом, и неповторимым сценическим образом, и особой манерой контакта со зрителем, не похожей на другие прототипы западного стиля.



Стиль одежды, поведения, густая, развевающаяся борода — все это завораживало зрителя еще до того, как певец начинал петь, — и ему ничего не оставалось, как полностью отдаться во власть уникального голоса своего любимца.

греческий соловей


Интересный случай произошел с певцом в июне 1985 г. Демис Руссос вместе со своей будущей женой Памелой вылетел из Афин в Рим рейсом 847 компании TWA.

Рейс был захвачен ливанскими террористами, и самолет совершил вынужденную посадку сначала в Бейруте, а затем в Алжире. Певцу пришлось провести на борту несколько дней вместе с террористами.

Узнав, что среди заложников находится Демис Руссос, они не только попросили у него автограф, но и отпраздновали его день рождения 15 июня и освободили его пару дней спустя одним из первых.



Популярности певца в арабских странах не помешала даже огромная популярность этого грека в Израиле, где он часто гастролировал и записал один из своих хитов «Золотой Иерусалим».

греческая музыка


Его популярность была огромна и в России, и Демис Руссос отвечал на это взаимностью.

В одном из своих интервью в Москве он заявил: «Россия — моя вторая родина. Я очень люблю вашу публику и очень люблю приезжать в Москву.

Мне кажется, что я уже прекрасно знаю этот город, и все равно в каждый приезд открываю для себя что-то новое, всегда обнаруживаю, чем заняться и что посмотреть в свободное время, хотя какой-то обязательной программы никогда заранее себе не планирую.

Еще очень люблю русскую кухню, хотя не очень в ней разбираюсь, честно говоря. Люблю пельмени и блины и, конечно, вашу знаменитую черную икру», — поделился он.

Что касается еды, то он признался, что она занимает важную часть в его жизни: «Для меня главное — музыка, еда и женщины, причем именно в таком порядке».


демис руссос



певец


Демис Руссос был женат четыре раза. У него двое детей — дочь Эмилия, живущая в Париже, и сын Сирил, который живет в Греции и работает диджеем. Сирил очень любит песни своего отца и всячески их пропагандирует.

встреча с сыном Сирилом Демис с матерью

Похоронен знаменитый певец на Первом Афинском кладбище недалеко от Мраморного стадиона, где прошли первые Олимпийские игры современности.



Demis Roussos "From Souvenirs to Souvenirs"

Demis Roussos - Far Away - 1976

Первый канал. "Сегодня вечером" с Андреем Малаховым.
Demis Roussos - Goodbye My Love (Moscow, 1tv, 24-11-2012)



Знаменитости, ушедшие из жизни в этом году


Демис Руссос на концерте в Париже, январь 2015.

Владимир Волошин 18 июн 16, 17:03
+1 1
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Коноваленко В.В. Во власти камня.

Коноваленко В.В. Во власти камня.

Василий Васильевич Коноваленко (1929-1989) - украинский и русский скульптор и ювелир, создатель серии уникальных скульптурных миниатюр в жанре камнерезно-ювелирного искусства (объемная флорентийская мозаика), а также выдающихся произведений чисто-ювелирного искусства (в технике перегородчатой эмали).

Василий Коноваленко за работой. Фотография из архива семьи.

Василий Васильевич Коноваленко родился в в Запорожской обл., Акимовский р-н, село Петровка . Он был пятым ребенком в семье, единственным мальчиком. Детство его прошло в шахтерском городе - Донецк . Там он в 1938 году пошел в школу , но началась война и семье пришлось эвакуироваться .
По возвращению из эвакуации Коноваленко учился в Донецком архитектурно-художественном училище и поступает в Донецкий театр оперы и балета учеником художника - декоратора .
И уже через два года получает должность «заведующего бутафорского цеха».Отслужив армию в Балтфлоте , решает окончательно поселиться в Ленинграде .
В двадцать с небольшим лет выиграл конкурс в Мариинский театр. Работал там со знаменитым художником Симоном Вирсаладзе. Уйдя оттуда, стал самостоятельным художником театра с именем (прежде всего на Украине), стал ставить спектакли, такие как известный балет “Каменный цветок”. Он осуществляет собственные постановки в оперных театрах страны


Декорация для балета «Каменный цветок». Эскиз. СССР, 1960 г.Бумага; гуашь, белила, бронзовая краска, лак.Частное собрание, США.


Костюмы аметиста и топаза для балета «Каменный цветок»
Эскиз. СССР, 1960 г.Бумага; гуашь, белила, карандаш, чернила.Частное собрание, США.


Японцы. Костюмы для концерта «Дружба Народов» Эскиз. СССР, 1960 г.
Бумага; гуашь, белила, карандаш, чернила.Частное собрание, США.

Увлекся структурой минералов и захотел сделать свой каменный цветок, как Данила-мастер.


Данилушко. 1959г , Кремень, белореченский кварцит, берилл, кахолонг, жемчуг, агат, яшма, малахит, мрамор, золото, серебро; резьба по камню, шлифовка, полировка, мозаика, выпиловка, монтировка.Музей «Самоцветы», Москва.



В начале творческого пути Василию Коноваленко приходилось преодолевать сопротивление твердого камня, самому нащупывать методы создания объемных самоцветных скульптур, практически забытые с середины 1920- х годов.

Перед вами одна из самых ранних композиций мастера, посвященная теме традиционного русского гостеприимства — «Добро пожаловать». Ленинград, 1959 год.Тигровый глаз, окаменелое дерево, кахо лонг, нефрит, лазурит, шайтанский пере ливт, яшма, белореченский кварцит, об сидиан, агат, джеспилит, кремень, халце дон, аметистовидный кварц, перидотит, синтетические корунды, золотосодержа щий сплав, серебросодержащий сплав, дерево.Музей «Самоцветы», Москва.


Хлеб да соль В.Коноваленко. Ленинград, 1959 г

С конца 1950-х годов стал создавать самоцветные скульптуры (это когда каждая деталь — фигура, волосы, зубы — вырезается из отдельного камня и затем соединяется вместе); в Петербурге это называют блокированной скульптурой, на Урале — объемной мозаикой).



Это стало делом жизни, он ушел от сценографии и сосредоточился на создании скульптуры. Другая его заслуга в том, что ему удалось вне зависимости от обстановки создать те образы, которые были интересы ему лично.


Прачка




Бражники Ленинград, 1965 г Сапфиры, жемчуг, нефрит, яшма, халцедон, сердолик, лазурит, кремень, агат, кварц, белореченский кварцит, кахолонг, окаменелое дерево, обсидиан, пурпурин, золото, серебро, недрагоценный металл; резьба по камню, волочение, выпиловка, монтировка. Гохран России, Москва.

К 1959 году появляются первые шедевры камнерезной скульптуры, но Василию Коноваленко не дают возможности выставить скульптурные работы .

Ликбез, Ленинград, 1960-е гг.
Жемчуг природный, яшма, змеевик, нефрит, халцедон, сердолик, порфирит, кахолонг, кварц, обсидиан, чароит, родусит, офиокальцит, оникс, гранит, скарн, окаменелое дерево, кремень, пурпурин, недрагоценный металл; резьба по камню, флорентийская мозаика, волочение, монтировка.
Гохран России, Москва.

Ликбез - единственная работа . где замысем скульптора совпал с советской идеологией.


Осталось в заготовках. Многим хотелось видеть вождя на субботнике.

Наконец, в 1973 году (Коноваленко — 44 года) состоялась первая персональная выставка скульптуры — камнерезного искусства .




Бабушка и дедушка Ленинград, 1963 гЛазурит, яшма, кремень, лабрадорит, нефрит, кахолонг, окаменелое дерево, белореченский кварцит, агат, жемчуг, гранит, пурпурин, серебро, медь; резьба по камню, шлифовка, Полировка, волочение, монтировка.


Воин Ленинград, 1961 г.Бирюза, нефрит, кахолонг, белореченский кварцит, шокшинский кварцит, агат, кремень, халцедон, лазурит, яшма, алмаз, золото, серебро; резьба по камню, шлифовка, полировка, волочение, выпиловка, монтировка.Музей «Самоцветы», Москва.


Дедушка, груздь! Ленинград, 1972 г. Беломорит, кахолонг, мрамор, малахит, яшма, кварцит, обсидиан, белореченский кварцит, пирротин, халькопирит, жемчуг, нефрит, жадеит, кремень, халцедон, чароит, мраморный оникс, диабаз, серебро; резьба по камню, шлифовка, полировка, мозаика, волочение, прокат, выпиловка, монтировка.
Музей «Самоцветы», Москва.


Запорожец. Москва, 1979 г.Обсидиан, белореченский кварцит, беломорит, яшма, родусит, сердолик, берилл, мрамор, малахит; резьба по камню, шлифовка, полировка, мозаика, волочение, выпиловка, монтировка, токарные работы, насечка.Музей «Самоцветы», Москва.


Земфира. Ленинград, 1973 г.Золото, бирюза, жемчуг, перламутр, мраморный оникс, аметист, яшма, белореченский кварцит, кварц морион, агат; резьба по камню, шлифовка, полировка, волочение, монтировка.Музей «Самоцветы», Москва.


На мормышку. Ленинград, 1967 г.Агат, нефрит, обсидиан, лазурит, флюорит, льдистый кварц, окаменелое дерево, гематит, кварцевые щетки, кремень рисунчатый, лабрадорит, кахолонг, белореченский кварцит, яшма, диабаз, золото, серебро.Музей «Самоцветы», Москва.

На постаменте из льдистого кварца закинул удочку рыбак в тулупе из пятнистого агата. Белесые пятна на агате Василий Коноваленко оставил неполированными, чтобы создать иллюзию замерзшего снега на сыром тулупе.



На рыбалку. Ленинград, 1956 г.Обсидиан, белореченский кварцит, дымчатый кварц, джеспилит (краснополосчатый кварцит), кремень, халцедон, яшма, агат, кахолонг, нефрит, шунгит, окаменелое дерево, коралл, сапфиры, жемчуг, золото, серебряный сплав.Музей «Самоцветы», Москва.


Разлука, ты разлука .Ленинград 1967. Одна из драматичный работ В. Коноваленко. Ленинград, 1967 .Агат, нефрит, кахолонг, яшма, обсидиан, белореченский кварцит, синтетическая шпинель, синтетический сапфир, родусит, окаменелое дерево, кремень, перидотит, бирюза, гранит, золото; резьба по камню, шлифовка, полировка, выпиловка, монтировка.Музей «Самоцветы», Москва.


Сказка о рыбаке и рыбке. Москва, 1976 г.Бронза, нефрит; литье, монтировка.Частное собрание, США.


Сказка о рыбаке и рыбке. Нью Йорк, 1987 г.Нефрит, кварц, агат, яшма, кахолонг, обсидиан, кораллы, серебро, медь,сапфиры.Частное собрание, США


Скорбящая мать Ленинград, 1974 г.Гагат, эпидотовая щетка, лабрадоритовое габбро, яшма, белореченский кварцит; резьба по камню, гравировка, монтировка.

Выставка, проходившая в Русском музее стала сенсацией. Каталог выставки лично составил знаменитый директор Русского музея Василий Пушкарёв, а текст написал Сергей Михалков .
В 1974 году "Огонек" вышел со статьей Сергея Михалкова "Наследник Данилы-мастера". Журнал отвел два разворота под фотографии работ Василия Коноваленко, а создатель гимна и самый большой литературный начальник посвятил ему панегирик с объяснениями, как тонко художник чувствовал камень при создании своих скульптур. "Подарили как-то геологи скульптору-ювелиру кахолонг. Долго присматривался художник к куску камня. И вдруг воображение нарисовало ему контуры ласточки. Надо лишь довести, выявить". Михалкову же мы обязаны и единственной цитатой Коноваленко, растиражированной всеми устроителями выставок и исследователями творчества мастера: "У камня можно учиться живописи".



Коноваленко — теперь признанного скульптора и камнереза — приглашают в Москву на должность главного художника Министерства Геологии и дают возможность создать свою школу-мастерскую «Лаборатория малых скульптурных форм». Он переезжает в Москву. Однако, есть недовольные, что выставку в Русском музее сделали через головы, начинается необоснованное уголовное преследование Коноваленко. Ему «намекают» что надо уникальную коллекцию (оцененные иностранными экспертами в 2 млн. долларов) сделанных работ «подарить» государству, что он делает, и преследование заканчивается .
Положение художника-одиночки, привело к непониманию с властями. В 1981 году (в 52 года) он эмигрировал, взяв с собой только любимую удочку. Следы деятельности эмигранта 1980-х годов были вычеркнуты, стерты в советские годы на родине художника, его имя не упоминалось.

В марте 1984 года в Музее Натуральной Истории Денвера, Колорадо, состоялась выставка Василия Коноваленко. Работы остались в постоянной экспозиции музея.


Странник (старовер) Нью-Йорк, 1982 г. Кахолонг, яшма, бирюза, аметист, тигровый глаз, гелиотроп, белореченский кварцит, рутиловый кварц, агат, карнелиан, сапфиры, рубин, медная и свинцовая руда, золото, серебро; резьба по камню, волочение, монтировка, золочение.
Музей природы и науки Денвера.

Грандиозный успех выставки, мировое признание омрачалось только разрывом с Россией .
В 1989 году Коноваленко начинает переговоры о выставке в России и о возвращении на родину для создания школы камнерезного искусства. Он полон планов и надежд .. но смерть прерывает все .

И вот, задуманная ещё 40 лет назад, первая ретроспективная выставка Василия Коноваленко открылась в Музеях Кремля. (С 1июня по 31 августа 2016г.)


Куратор выставки Татьяна Мунтян.




Монтаж выставки "Скульптор Василий Коноваленко. Во власти камня", которая работает в Одностолпной палате Патриаршего дворца.




Банька










Знойный полдень


Чаевник . Ленинград, 1971 г.
Нефрит, яшма, агат, обсидиан, шокшинский кварцит, белореченский кварцит, жемчуг, окаменелое дерево, золото, серебро; резьба по камню, шлифовка, полировка, литье, выпиловка, токарно-давильные работы, монтировка.
Музей «Самоцветы», Москва.




Бегемот Нью-Йорк, 1987 г.Малахит, бриллианты, рубин, кахолонг, белореченский кварцит, цитрин, золото, серебро; резьба по камню, русская мозаика, выпиловка, чеканка, монтировка.Частное собрание, США.


Маляр


Моржи




" Золотоискатели " . Единственная скульптура не из " российского " быта






Рыбак. Нью Йорк, 1984 г. Окаменелое дерево, белореченский кварцит, зебровая яшма, коричневаяяшма, агат, обсидиан, сапфиры, жемчуг, серебро. Частное собрание, США.


Набор для крюшона, Нью-Йорк 1985

В орнаметнте набора для крюшона зашифрованы многие сюжеты работ Коноваленко


Бражники. Яшма, белоречит, сапфир, эмаль и др. Денверский музей естественной истории (Denver Museum of Nature & Science). Денвер, Коло 2 вариант

В этой скульптурной группе , изображающей трех удалых весельчаков , уникальна не только камнерезная пластика , но посмотрите на этот уникальный корец , изукрашенный эмалью ..закадычные друзья


" Цыган " уникальная проработка деталей , если учесть , что размер фигурок не больше размера " барби " , проработаны даже вены на руке , и перстенек .. -это очень непросто .

Василий Коноваленко сделал почти невозможное. В середине прошлого века практически в одиночку он возродил сложнейшую технику объемной мозаики из твердых самоцветных камней (яшмы, халцедона, родонита, лазурита), которой так славились русские камнерезы конца 19-начала 20 вв. 
 Подобные фигуры делали фирмы К. Фаберже и А. Денисова-Уральского. 
После революции традиция прервалась. Уральские коллеги справедливо говорят, что были эксперименты с объемной мозаикой на Урале — конечно, это каменный пояс, центр камнерезного дела. Были отдельные студенческие эксперименты под руководством мастера Татаурова, работавшего до революции на Императорской гранильной фабрике в Екатеринбурге . Это происходило в советское время после войны, что свидетельствует об огромной любви к камню: только прошла война, еще не восстановилось хозяйство, а на Урале уже открыли камнерезную школу, ныне Уральский техникум “Рифей”. Там Татауров со студентами делал объемные мозаики, но это и ограничилось студенческими работами. Коноваленко же на протяжении тридцати лет создал целую серию работ, насчитывающую многие десятки сложнейших в изготовлении скульптур.
Это было крайне сложно, никто его не учил. Коноваленко дошел своим умом и талантом – так бывает.


Владимир Волошин 6 июл 16, 18:04
+1 1
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Весенне-летнее от Ольги Ивлевой.

Весенне-летнее от Ольги Ивлевой.


Ольга Ивлева родилась в 1969 году в городе Курган.

С 1985 по 1989 годы училась в Свердловскомхудожественном училище им. И.Д.Шадра.
После окончания училища в 1989 году поступила в Институт им. И.Е.Репина в Ленинграде.
Училась на факультете графики в мастерской профессора В.А. Ветрогонского.
В 1993 году была премирована Академией Художеств за отличную учебу поездкой в Германию и проходила стажировку в Западно-Берлинской Академии Художеств.
В 1997 году была принята в члены Союза художников России. Является лауреатом Государственной стипендии в области культуры и искусства России за 2004 год.
Член Общества акварелистов Санкт-Петербурга. Работы находятся во многих музейных и частных коллекциях в России и за рубежом.




Весенний вечер.










Сельская идиллия.











Прощание славянки






















Колязинский дворик.


Коневский монастырь


Муром


Мгновения тишины.


Монастырский дворик.


Деревенская идиллия.


Светлый день на Волге.








Здравствуй, лето!

Вернувшись в Петербург из поездки на пленэр в Торжок, Ольга узнала, что в очередной раз заняла второе место в конкурсе на приз зрительских симпатий "Самый солнечный художник"!



- «Ребята-это невероятно-получить награду на такой престижной выставке как "Солнечная сторона" ,среди 42 лучших живописцев города, тем более, что выставляю я акварели .Мне очень приятно! Спасибо всем, кто отдал за меня свои голоса и всем нашим солнечным художникам за шикарную выставку и нашу дружбу!»

Сайт художницы: http://www.ivleva.com.ru/ma...

https://youtu.be/Wdjl6BdruHE


Владимир Волошин 18 май 16, 16:31
+1 1
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Ганс Гольбейн. Пляска Смерти.

Ганс Гольбейн. Пляска Смерти.

В 1538 году Ганс Гольбейн Младший опубликовал свой Танец Смерти - 
произведение, которое заставило современников взглянуть по-новому на 
целый жанр средневекового искусства. В работе Гольбейна Смерть все еще 
(по традиции Плясок Смерти) агрессивна, тем не менее она уже не танцует с
мертвецами, а вмешивается в повседневную жизнь людей.   " В 
Средние Века в работах художников доминировала парижская версия Танца 
Смерти, но с 1538 года работа Гольбейна становится эталоном. Серия из 41
гравюры на дереве была создана приблизительно в 1526 году и 
опубликована двенадцатью годами позже в Базеле. Гольбейн был не первым 
кто использовал технику резьбы по дереву вместо традиционной фрески для 
создания Танцующей Смерти. Но изменив материал, Гольбейн преобразовал и 
нравоучительный потенциалсвоей работы. Теперь люди могли постигать уроки
Смерти в одиночестве, читая книгу, а не толпой разглядывая большую 
фреску. 
    Композиция Танце Смерти Гольбейна тоже изменилась: 
Смерть теперь не вела танец, а появлялась в различные моменты 
повседневной жизни. Сам Гольбейн жил во времена Реформации и 
Крестьянских войн (1524) на юге современной Германии. Его 
гуманистические убеждения хорошо просматриваются в созданном им Танце 
Смерти, в котором Смерть чаще всегда вершит правосудие, обличая алчность
и злоупотребление властью. 

    За первыми четыремя гравюрами со
сценами из Книги Бытия следует изображение группы скелетов играющих 
музыку. Танец начинается. Первой жертвой становится Папа Римский, а за 
ним еще 34 жертвы.Гравюры с изображениями Судного Дня и геральдическим 
знаком Смерти закрывают цикл.

    Явление Смерти происходит, 
когда Адама и Еву изгоняют из Рая. Снаружи их ждет ликующая Смерть. 
Отныне каждый человек должен умереть. 




 
  В своей Пляске Смерти Гольблейн часто использует образ песочных 
часов, символизрующий течение времени. Они впервые появляются в сцене из
Бытия, где Адам обрабатывает землю (а Смерть ему помогает), а Ева 
кормит грудью Каина. В двадцати пяти сценах из тридцати пяти 
присутствуют песочные часы.
    В нескольких картинах 
антиклерикализм Гольбейна особенно заметен. Например в сцене с Папой 
Римским, который еще не знает, что Смерть пришла чтобы забрать его в 
самый важный момент его жизни - во время коронации Императора.




 
  Кроме того, здесь присутствуют два демона, символизирующие искушение 
тщеславием.     На другой картине Смерть появляется в момент, продажи 
кардиналом индульгенции.




    Епископ выглядит очень растерянным, когда Смерть берет его под руку и ведет сквозь стадо овец. 




   Смерть душит монаха, который пытается спасти свое богатство, несмотря на то, что давал обет бедности. 




 
 Одна из самых ироничных гравюр изображает монахиню, молящуюся в своей 
богатой комнате и похотливо поглядывающую на любовника. Смерть 
появляется, туша свечу на алтаре - очевидный намек на судьбу 
монахини... 







 
  Подобные сцены заставляли простого человека смеяться над знакомыми 
персонажами, но в то же время пробуждали злость и недовольство 
духовенством. Однако, ни проповедник, ни простой священник не вызывают у
Гольбейна сарказма. В то время и в городах, и в сельской местности 
низшие слои духовенства были симпатичны бедноте, так как были далеки от 
напыщенности и богатства клерикальной элиты. Симпатия Гольбейна к 
беднякам особенно проявляется там, где они встречаются с безразличием 
богачей. 

    Герцог отталкивает женщину и её ребенка. 







    Адвокат принимает плату от богатого клиента и не обращает внимание на бедняка рядом с собой. 







    Демон, символизирующий искушение жадностью взбирается на плечи Сенатору, который игнорирует нищего, позади себя. 







    Периодически Гольбейн демонстрирует довольно тонкий юмор: так Смерть отбирает у богача сначала деньги, а уже потом душу.





 
  Правосудие и науки Гольбейн тоже подвергает критике. Смерть снимает 
корону с Императора, в то время как простолюдин напрасно взывает Его 
Высочество к справедливости. Император держит в руке сломанный меч, что 
символизирует его неспособность к принятию верного решения. 







 
  На другой картине Смерть склоняется над Судьёй чтобы забрать его жезл
- символ судейского долга. Судья же, готовый принять взятку богача, 
даже не замечает этого. Для суда деньги значат больше чем справедливость
И бедный всегда проиграет дело. 







 
  Смерть появляется между Доктором и его пациентом. Гольбейн, видимо, 
пытается донести, что несмотря на все достижения медицины, она не может 
предотвратить то, чему нельзя воспрепятствовать: раньше или позже, 
Доктор умрет сам. Как и его пациенты.







 
  Рыцарь, Дворянин и Граф, которые прославились в великих битвах 
(восновном против крестьян - подавляя бунты), теперь сталкиваются с 
гораздо более опасным и непобедимым оппонентом - Смертью. Дворянин 
отчаянно пытается защитить себя, но могила под его ногами недвусмысленно
намекает на исход противостояния. 







    Смерть с легкостью пронзает Рыцаря его же копьем. 







Граф убегает в ужасе, в то время как Смерть в одежде крестьянина ломает его гербовый щит.







    Тем не менее, Смерть не всегда представлена как вершитель провосудия. Она жестока когда отнимает ребенка у его семьи. 






Любопытно,
что Смерть у Гольбейна иногда играет роль друга или даже слуги. Так, 
она помогает Адаму возделывать землю плугом, омывает Королю руки перед 
едой. 

      


    Смерть торжественно сопровождает Старика и Старуху в их последний путь.


     



 
  На последней картине - Судный День - Гольбейн напоминает нам, что 
обрести вечную жизнь можно с помощью Иисуса Христа. Люди, которые верят в
него, преодолевают Смерть.






 
  Ниже приведен список гравюр гольбейновской "Пляски Смерти" (41 
гравюра). В оригинале каждая из них содержала также цитату из Библии на 
латыни. 

1 - Сотворение (Creation)
2 - Искушение (Temptation)
3 - Изгнание Адама и Евы из Рая (Expulsion of Adam and Eve)
4 - Адам возделывает землю (Adam tills the soil)
5 - Кости человечества (?) (Bones of all men)
6 - Папа Римский (Pope)
7 - Император (Emperor)
8 - Король (King)
9 - Каридинал (Cardinal)
10 - Императрица (Empress)
11 - Королева (Queen)
12 - Епископ (Bishop)
13 - Герцог (Duke)
14 - Аббат (Abbot)
15 - Аббатисса (Abbess)
16 - Дворянин (Nobleman)
17 - Канонник (Canon)
18 - Судья (Judge)
19 - Адвокат (Advocate)
20 - Сенатор (Senator)
21 - Проповедник (Preacher)
22 - Священник (Priest)
23 - Монах (Monk)
24 - Монахиня (Nun)
25 - Старуха (Old woman)
26 - Врач (Physician)
27 - Астролог (Astrologer)
28 - Богач (Rich man)
29 - Торговец (Merchant)
30 - Моряк (Seaman)
31 - Рыцарь (Knight)
32 - Граф (Count)
33 - старик (Old man)
34 - Графиня (Countess)
35 - Дворянка (Noblewoman)
36 - Герцогиня (Duchess)
37 - Уличный торговец (Peddler)
38 - Пахарь (Ploughman)
39 - Ребенок (Child)
40 - Судный день (Last Judgment)
41 - Герб Смерти (Escutcheon of Death)

 
  В 1545 году, в пятом лионском издании Пляски Смерти Гольбейна ряды 
"танцующих" пополнились. 12 новых персонажей скорее всего были 
нарисованы не Гольбейном, а неизвестным художником, который позже 
добавил их к оригинальным сценам. Между Ребенком (39) и Судным днем (40)
здесь появляются:

42 - Солдат сражающийся со Смертью. Мертвые воины лежат у их ног. На заднем плане скелет играет на барабане.
43 - Смерть и Демон вместе нападают на Игрока
44 - Смерть вливает вино в рот Пьянице
45 - Смерть тянет Глупца за одежду, одновременно играя на волынке.
46 - Смерть не дает Разбойнику ограбить старую женщину (как благородно с её стороны!). 
47 - Смерть ведет Слепого, ухватив его трость.
48 - Смерть ломает телегу Возничего, который не теперь не может управлять ею.
49 - Больной бродяга просит мылостыню на улице (Но Смерти здесь нет!)
- далее идут четыре гравюры, изображающие "путти" ("putti" - полнотелые ангелочки)

 
  В 1562 и снова в Лионе очередное переиздание включало в себя еще 
четыре гравюры. Между Пахарем (38) и Ребенком (39) появились:


50 - Невеста, танцующая со Смертью. Справа изображен трубадур играющий на лютне.
51 - Жених и Смерть.


 
  Это переиздание включало и 12 картин из переиздания 1545-47 года. 
Итого 54 гравюры, что является самым большим сборником "Плясок Смерти" 
за всю историю.  

 
  Гольбейн также создал Алфавит Смерти и занимался оформлением ножен 
для кинжалов, изображая на них  Пляску
Смерти.


http://gravures.ru/publ/gravjury/quot_pljaska_smerti_quot_gansa_golbejna/3-1-0-21

ссылка на не менее замечательный пост Сергея Зарипова про знаменитую картину Гольбейна "Послы"http://my.mail.ru/community...
http://my.mail.ru/community...


Гольбейн Ганс, "Послы" http://my.mail.ru/community...


Владимир Волошин 29 ноя 15, 20:33
+1 3
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0

Фарфор из коллекции музея.

Фарфор из коллекции музея.

Шедевры музея ИЗО г.Екатеринбург.

Предыдущая запись закончилась иллюстрацией спроса на мейсенский фарфор в аристократических кругах.https://my.mail.ru/communit...

В этом посте,наверное, о самом востребованном направлении творчества мастеров Мейсена – декоративной скульптуре.



«Урок флейты». Статуэтка из собрания ЕМИИ

Во второй половине XVIII века в Мейсене, наряду с посудными формами, развивается жанр декоративной скульптуры. Как правило, это композиции, представляющие очень модные в эпоху рококо пасторальные сцены. Такие скульптуры, часто выполненные в виде обширной серии с каким-либо общим признаком.
Мода на коллекционирование мейсенской скульптурной пластики обусловила широкое тиражирование фигурок. У страстных собирателей они выстраивались в целые ансамбли в особых шкафах-витринах или на открытых горках-этажерках. Наряду с всевозможными амурами и аллегориями, чрезвычайно популярна была детская тема. Играющие на разных музыкальных инструментах малыши пользовались невероятной популярностью.

Мейсенские мастера привносили разнообразие в свои скульптуры за счет очень простых действий: отлитые по одной модели скульптуры затем поступали к разным художникам, в итоге персонажи оказывались, одеты в костюмы разного цвета, а порой даже и разных эпох.


Скульптура «Урок флейты». Германия (Саксония), начало XIX в., по модели 1760-х. Мейсенская фарфоровая мануфактура. По модели Мишеля Виктора Асье (Michel Victor Acier, 1736-1799)

Скульптура из нашего собрания – повторение модели второй половины XVIII века. Первый вариант появился около 1765 года. Сцена «Урок флейты» была создана модельером Мишелем-Виктором Асье под надзором руководителя фабрики Кендлера.

Подобные памятники хранятся во многих музейных собраниях. Так, в собрании Музея Виктории и Альберта находится такая композиция.



Источник фото http://collections.vam.ac.u...

А сейчас перенесемся во Францию, где увидим, что порой хрупкий предмет роскоши может не только радовать глаз, но и рассказать о важных событиях в истории отдельных личностей и целых государств.


Страница из истории французского фарфора. О появлении особого оттенка розового и королевских пристрастиях.

Rose de Pompadour… Или тайны розового цвета




Дань этому увлечению отдала Королевская фарфоровая мануфактура, где создавались шкатулки и предметы мебели, украшенные живописью на фарфоре. Увлечение историей нового короля Франции – Луи-Филиппа – обусловило рост популярности жанра исторического портрета во французском искусстве.

С 1830-х годов начинается издание многотомного иллюстрированного издания, призванного познакомить французов с важнейшими событиями и крупнейшими деятелями в истории страны. В серию гравированных портретов входили воспроизведения портретов монархов и политиков, выдающихся ученых, военных, деятелей культуры. Особое место отводилось портретам самых известных женщин разных эпох.


Луи-Филипп I (1773–1850) – лейтенант-генерал королевства с 31 июля по 9 августа 1830 года, король французов с 9 августа 1830 по 24 февраля 1848 года. За свое неоднозначное правление получил прозвища «король-гражданин» и «король-буржуа», а в последние годы из-за своей тучности – «король-груша». Луи-Филипп I был последним монархом Франции.






Столешница с парадным портретом Людовика XVI и портретами знаменитых женщин Франции.

*Источник фото https://marinni.dreamwidth....

В нашей коллекции находится элегантный комплект из восьми чайных пар, созданный в 30-е–40-е годы XIX столетия на одной из частных фабрик. Название фабрики, к сожалению, пока не расшифровали, но известно, что произведения этих мастеров были удостоены золотой медали на одной из выставок французской промышленности.



Обращает на себя внимание связь с традициями французского королевского фарфора. Во-первых, это необыкновенный элегантный цвет фона – сложный розовый, изобретенный в 1757 году художниками севрской мануфактуры и получивший название в честь одной из основательниц этого производства – rose de Pompadour – «розовый Помпадур».

В 1740 году было начато производство фарфора в Венсене при поддержке Людовика XV и при активном покровительстве маркизы де Помпадур. Спустя 16 лет фабрику переводят в Севр, неподалёку от дворца Бельвю, где жила мадам де Помпадур.

Производство Севрской мануфактуры практически с самого начала отличалось экспериментами в области колорита изделий, изобретения новых фоновых красителей, которые имели нежные тона и изящные названия: «королевский синий», «желтый нарцисс», «яблочно-зеленый», «голубой небесный» и т.д.



Также традициям французского фарфора XVIII века созвучна сложная технология изготовления золоченого орнамента – так называемое «двойное золочение», позволяющее не просто создать орнамент, но и придать ему определенный рельеф, особенно заметный на блюдцах наших чайных пар. И наконец, главное украшение этих произведений – изображения прославивших Францию женщин. Портреты эти выполнены на основании гравюр.

В экспозицию в первую очередь включена чашечка с портретом маркизы Помпадур, потому что без ее стремления вывести Францию на передовые позиции в области создания предметов роскоши и ее страстного увлечения фарфором, скорее всего, Севрская мануфактура не появилась бы на свет, либо появилась, но существенно позднее.



Жанна-Антуанетта Пуассон (1721–1764), более известная как маркиза де Помпадур, была официальной фавориткой французского короля Людовика XV.

Маркиза де Помпадур на протяжении 20 лет оказывала большое влияние на государственные дела Людовика и практически самостоятельно выстраивала культурную политику Франции того времени. Своим умением выглядеть роскошно и при этом естественно маркиза являлась примером стиля жизни для всей Европы того времени.


Также посетитель может увидеть портрет мадам де Ламбаль – близкой подруги королевы Марии-Антуанетты.


Мадам де Ламбаль (1749–1792) была одной из самых известных аристократок Франции.

За свое близкое положение к плененной в ходе Великой французской революции королеве, мадам де Ламбаль была казнена, а ее завитая и напудренная голова была отнесена прямо в замок Тампль, который служил королеве тюрьмой.

На третьей чашечке можно узнать знаменитую французскую куртизанку, писательницу и светскую львицу Нинон де Ланкло.



Нинон (1615/1623–1705) была прославлена своими остроумными высказываниями, которых побаивался даже двор Людовика XIV века.

Как видно, через историю предметов искусства возможно глубже и в более ярких красках прочувствовать ход исторических событий. Сложные политические явления, перипетии личной жизни правящих кругов, высокое положение их фаворитов – все это находит самое яркое отражение в истории искусства.

По этой ссылке можно увидеть интересные столики и др.мебель из фарфора:

https://marinni.dreamwidth....






Это Майсенские фигурки. http://my.mail.ru/community...






Владимир Волошин 17 фев 16, 19:43
+1 1
Статистика 1
Показы: 1 Охват: 0 Прочтений: 0
Темы с 1 по 10 | всего: 337

Последние комментарии

Исай_Шпицер
Olga Aleksandrova
Olga Aleksandrova
Евгений Чубров
Исай_Шпицер
Natalia Reznik (Иванович)
Виктория Sh.
Обожаю его голос и песни. Второго такого не будет. Очень жаль,
Виктория Sh. ДЕМИС РУССОС — ЧЕЛОВЕК - ЭПОХА!
hilka бу
Надежда- Сумина
Инна Волкова
Читать

Поиск по блогу

Люди

15 пользователям нравится сайт vladimir71.mirtesen.ru